Ich werde also ein Geschäft mit CD-Abteilung aufsuchen, knapp 20 Euro zahlen, wieder nach Hause gehen und die CD in den Laptop schieben. Parallel zum ersten Hören werde ich die Musik auf den Rechner laden, dazu das Booklet durchblättern, die Texte mitlesen. Vermutlich wird die CD dann noch ein paar Tage auf dem Wohnzimmer-Tisch liegen bleiben, bevor sie in den Schrank zu den anderen CDs wandert. Dort wird sie über Jahre unberührt verweilen. Denn Musik höre ich nur noch über den Computer.

Meine erste selbstgekaufte Platte: 'Misplaced childhood' (1985) von Marillion

Warum also noch Musikalben auf CD? Aus Nostalgie? Aus Gewohnheit? Kaufen die Silberscheibe nur noch jene, die mit ihr groß geworden sind? Oder liegt dahinter ein tieferes, grundsätzlicheres Bedürfnis?

Vergangene Woche hat der Computer- und Softwarehersteller Apple auf seiner Musikplattform iTunes eine neue Funktion gestartet. Wer dort unter dem Namen „iTunes LP“ Alben kauft, erhält mehr als nur die Songs. Illustrierte Texte, Kommentare zur Entstehung, Booklets, Interviews, Videos und Bandfotos gibt es zur Musik dazu. Es ist der Versuch, dem Album zum Comeback zu verhelfen. Einzig das haptische Erlebnis fehlt.

Die Kritik ließ nicht auf sich warten. Der Musikfan verlange nach einzelnen Songs, statt nach Alben und überhaupt sei das LP-Konzept nicht auf das tonträgerlose Zeitalter übertragbar. — Ich glaube das nicht. Die CD mag aussterben, das Album-Format nicht. Es ist unabhängig vom technischen Fortschritt, so meine begründete Hoffnung.

Andere Unterhaltungsformen stützen meine These. Spielfilme haben sich in den vergangenen 100 Jahren stetig verändert. Sie wurden schneller, ausgereifter, authentischer. Was weitgehend gleich blieb: die Länge. 90 Minuten haben sich als für die Zuschauer angenehme Zeitspanne erwiesen. Ähnlich ist es bei Konzerten, Opern, Theaterstücken. Diese Formen der Unterhaltung mögen sich, was Inhalt und Präsentation betrifft, verändert haben – die „Menge“ aber blieb weitgehend gleich.

Denn der Mensch liebt das Erlebnis. Es beginnt mit der Vorfreude (z.B. Ankündigung der CD-Veröffentlichung, Kauf der Konzertkarte), es folgt die Vorbereitung (Fahrt zum Konzert, Kauf eines Buches); die Anspannung vor dem Start (Auspacken des Buches, Erlöschen der Lichter im Konzertsaal); dann das Ereignis selbst, mit Höhen und Tiefen, Anspannung und Entspannung; gegen Ende gern ein dramatischer Höhepunkt, gefolgt vom Ende, der Erlösung, gepaart mit Erschöpfung.

Wie gesagt: Wir Menschen lieben solche Erlebnisse. Sie passen in unseren Tagesablauf, in den Zeitrahmen unserer Freizeit. Wir wollen diese vier, fünf Stunden pro Tag auch mit Nachhaltigem füllen. Es soll sich etwas im Langzeitgedächtnis einnisten. Was uns Erinnerung schenkt. Und: Wir wollen eintauchen können, aus dem Alltag entführt werden. Ein einzelner Song schafft das nicht. Er ist zu kurz. Einem Album, das wir lieben, gelingt es. Es ist nicht so lang wie ein Konzert oder ein Film. Aber nicht aufgrund technischer Beschränkungen, sondern weil beim Menschen der Seh- den Hörsinn dominiert. Wo die Augen nichts zu tun haben, geht die Aufmerksamkeit schneller verloren. Deswegen sind Musikalben kürzer als Spielfilme, aber noch lange genug, dass sich Vorfreude einstellt, man den Weg zum Media-Markt auf sich nimmt und es sich zu Hause erst gemütlich macht, bevor man die Playtaste drückt. So, wie auch ich es am kommenden Freitag tun werde, bevor die ersten Töne von „Immer da wo du bist bin ich nie“ erklingen werden. In Vorbesprechungen dieser Platte habe ich gelesen, die Musik solle schwer depressiv machen. Ich freu’ mich schon drauf.

Dadurch entstand eine schmerzliche Lücke, war das Label doch vor allem für ein glückliches Händchen bei der Entdeckung neuer und Förderung erfolgreicher Acts aus dem Elektronikbereich bekannt. Die Speerspitze des Future-Pop, bestehend aus Apoptygma Berzerk, Covenant und VNV Nation, veröffentlichte regelmäßig bei Dependent; daneben hatte das Label mit Bands wie Velvet Acid Christ, Babyland, Dismantled, Ivory Frequency oder dem Aushängeschild Suicide Commando auch ein beeindruckendes Repertoire für Fans des härteren Elektro-Sounds im Programm.

Zwei Jahre später, 2009: Neustart. Stefan Herwig ist mit Dependent wieder zurück am Puls der Zeit. Neben einer neuen Single der Synthpopper Mesh und „Septic VIII“, der Fortsetzung der Kult-Compilation-Reihe, steht die Veröffentlichung von „Focus And Flow“ an, dem Label-Debüt von KilloWatts & Vanek. Bedenkt man, dass KiloWatts & Vanek ihre erste Veröffentlichung auf dem „Soulseek Allstars Volume 1„-Sampler hatten, – einer Compilation der bekannten Filesharing-Plattform Soulseek – ist es umso erstaunlicher, dass Stefan Herwig das bisher nur auf der Webseite der Band in digitaler Form erhätliche Album auf seinem Label veröffentlicht.

Im „Hyberdized„-Forum der Gruppe Hybrids entdeckte Herwig vor einiger Zeit einen Link zu KiloWatts & Vanek. Von seiner Begeisterung motiviert, begann er nach einem deutschen Vertrieb für die beiden Ausnahmemusiker zu suchen. Fündig wurde er zunächst bei Motor Digital, dem Onlinelabel des Motor-Music-Gründers Tim Renner, doch als physischen Tonträger wollte zunächst niemand „Focus & Flow“ veröffentlichen. Für Herwig war das der entscheidende Grund, Dependent wieder zu aktivieren: Mit zwei so engagierten Plattenfirmen im Rücken dürfte für KilloWatts & Vanek doch nun eigentlich nichts mehr schief gehen.

Ganze vier Jahre Produktionsarbeit hat es gedauert, bis es Jamie Watts und Peter van Ewijk mit „Focus And Flow“ gelang, ein Album mit einem bisher nicht dagewesenen Spagat zwischen Gitarrenpop und Breakbeat zu erschaffen. Eine Platte, die weniger für die Tanzfläche als vielmehr für die Chill-Out-Lounge gemacht ist. „Glitchpop“ und „Folktronica“ sind die Genre-Bezeichnungen, die die beiden Bandmitglieder selbst für ihren Sound wählen. Das passt. Und bedenkt man, dass schon im Jahr 2005 an der Entstehung von „Focus And Flow“ gearbeitet wurde, ist es umso erstaunlicher, wie sehr die beiden Internet-Freunde ihrer Zeit voraus sind. Schon im Opener „Morningstar“ schmiegt sich van Ewijks sanfte Stimme perfekt zu den akustisch-elektronischen Tönen. Ruhige Akkordfolgen, viele Clicks und ein paar Cuts: Dieses Lied ist eine Aufforderung zum Entspannen, ein Befehl zum Träumen. „Everything is forgotten“, heisst es da, und das trifft die Grundstimmung sehr gut.

Ganz anders treibt hingegen „After You“ mit einer beeindruckenden Dynamik nach vorn. Während das Anfangsriff noch an spätere The-Cure-Songs erinnert, wird im Mittelteil auch vor Drum & Bass-Elementen nicht zurückgeschreckt. Manche Geräusche sind einem hier völlig neu und lassen nur schwer ihre Entstehung erahnen. Steigt man wiederum erst bei Song drei („Solar Flare“) in das Album ein, ahnt man während der ersten Minute nicht, was hier alles gleich noch an elektronischer Wucht losgetreten wird. Die Gitarre am Anfang des Tracks täuscht einen ruhigen Popsong an, nur um danach fast völlig in einer Sphäre elektronischer Spielereien unterzugehen. Eigentlich hätte sich dieser instrumentale Song auch wunderbar beispielsweise als Hidden Track auf dem neuen Archive-Album „Controlling Crowds“ gemacht.

In „Blue Vapourtrails“ gibt es dann ein Wiederhören mit der bereits sehr vertrauten Stimme van Ewijks. „Run now“, „leave now and don’t come back again“, fordert er in „So Strange“. Kaum vorstellbar, dass er das wirklich ernst meint, so groß ist die Kluft zwischen den inhaltlich harten Worten einerseits und der klanglich versöhnlichen Stimme andererseits. Wäre da nicht diese gewisse Kantigkeit und die vielen Breaks, die die Soundatmosphäre bestimmen, könnten KiloWatts & Vanek vermutlich nur noch schwer von totgehörten Mainstream-Acts unterschieden werden. Beispielsweise in „Combray“: Dieser Song hat absolutes Hitpotenzial und ist ein heißer Anwärter für eine Single-Auskopplung. Vor allem auch für ein paar knallende Remixe anderer Künstler aus dem Dependent-Portfolio würde er sich gut eignen.

Dr. A-Funz von Arzt+Pfusch schreibt im Dependent-Forum: „KiloWatts & Vanek – the best music from Dependent in years“, und damit hat er dort eine rege Diskussion entfacht. In der Tat ist es das erste Mal seit Sulpher der Fall, dass auf einer Dependent-Veröffentlichung so klar Gitarrenklänge im Vordergrund stehen. Mit Seabound und Mind.In.A.Box sind zwar weitere Bands abseits des Elektro-Geknüppels im Labelprogramm, doch der Sound von KiloWatts & Vanek stellt in diesem Umfeld ein absolutes Novum dar. Mal erinnert der Gesamteindruck an aktuelle Veröffentlichungen von Depeche Mode, die Herangehensweise an frühe Sounds von Nine Inch Nails, die Atmosphäre an die Düsterheit bei IAMX, aber immer gibt es auch eine gewaltige Nähe zu Fricklern wie The Postal Service oder Apparat – die bezeichnenderweise auch auf dem neuen „Septic“-Sampler vertreten sind.

Bleibt zu hoffen, dass KiloWatts & Vanek auch innerhalb der Szene auf offene Ohren stoßen. Ihnen und auch Stefan Herwig wäre es sehr zu wünschen. Eine gewisse Stagnation im Bereich Electro ist ja nun schon seit Jahren zu beobachten – die Herren Watts & van Ewijk könnten mit „Focus And Flow“ die Möglichkeit haben, das zu ändern. Wenn schon vielleicht nicht in den Clubs, dann doch zumindest in den heimischen Stereo-Anlagen. Und vielleicht bietet sich für den ein oder anderen Nicht-Szene-Kenner nun auch mal die Gelegenheit, in den Backkatalog von Dependent reinzuschnuppern.

Interessant aber dürften auch die Live-Shows des Duos sein. Wie sich eine Band wohl auf der Bühne präsentiert, die keinen gemeinsamen Proberaum hat, sondern Musik durch E-Mail-Verkehr und Datenaustausch entstehen lässt. Immerhin war das erste Konzert der beiden Protagonisten auch ihr allererstes Treffen im echten Leben. Durch ihre eigenwillige Art der Komposition haben die beiden einmal mehr bewiesen, was die moderne Entwicklung für Fortschritte mit sich bringt. Dank einfacher Technik ist das Produzieren über den „großen Teich“ hinweg heute kein Problem mehr – Musik kann auch über eine weite Distanz genau so konstruiert werden, als würden die Musiker nebeneinander in einem Tonstudio sitzen. Durch hohe Reisekosten und andere Hürden wäre es vor ein paar Jahren noch undenkbar gewesen, dass kreative Köpfe, die nicht in der gleichen Stadt oder zumindest im gleichen Land leben, musikalisch zusammenarbeiten. Und das ist nur ein Grund, warum Technik als Medium nicht verteufelt werden sollte – trotz vermeintlich negativer Entwicklungen, wie zum Beispiel dem illegalen Filesharing. Das musste sich letztendlich auch Stefan Herwig eingestehen.

(Dieser Text ist auch im Negatief Magazin erschienen.)

Für die Wahlberliner war mit RepoRecords schnell eine neue Heimat gefunden. Mit ihrem dort immer noch aktuellen zweiten Album „In Exile“ konnten sie ihre Fangemeinde und Bekanntheit noch mal deutlich vergrößern. Kein Wunder also, dass RepoRecords sich die Mühe gemacht hat, auch das nicht mehr erhältliche Debüt-Album wieder aufzulegen. Natürlich darf bei einer solchen Wiederveröffentlichung ein wenig Bonusmaterial nicht fehlen: So wurde „Privilege Entails Responsibility“ – übrigens die englische Übersetzung des Bandnamens – um ingesamt 10 Tracks ergänzt.

Vor allem live sind Valerie Renay und Sebastian Lee Philipp im In- und Ausland sehr umtriebig. Und als wären die beiden mit Noblese Oblige noch nicht genug ausgelastet, sind sie solo mit den Projekten Femme Façade (Valerie) und Der Räuber und der Prinz (Sebastian) beschäftigt. Gemeinsam treffen sie sich dann auf DJ-Gigs irgendwo zwischen Berlin, Paris und London wieder. Die männliche Hälfte von Noblesse Oblige war so nett, uns ein paar Fragen zum Rerelease zu beantworten.

Sebastian, welche sind deine Lieblingsstücke auf dem „neuen“ alten Album „Privilege Entails Responsibillity“?

Mir gefallen vor allem unsere Coverversionen unter den Bonustracks, da wir es – finde ich – geschafft haben, die Stimmung und Energie der Originale, vor allem die Texte, auf eine neue, andere Weise zu interpretieren. Außerdem hat sich über die vergangenen paar Jahre einiges an Bonusmaterial angesammelt, darunter viele Remixe von befreundeten Bands und Kollegen, die wir nun auf diesem Wege auch endlich veröffentlichen konnten. Besonders gefällt mir Mark Reeders Remix unseres Stücks „Duell“. Es handelt sich dabei eigentlich um ein Lied unseres zweiten Albums „In Exile“. Wir wollten es aber unbedingt jetzt veröffentlichen und haben uns deshalb entschieden, es zusammen mit unserem eigenen Remix von „Tanz Mephisto“ – die zwei einzigen Remixe des „In Exile“ Albums – hier auch noch draufzupacken.

Zwischen dem ersten und dem zweiten Album „In Exile“ hat sich euer Sound doch sehr hörbar weiterentwickelt. Wann ist denn mit eurem nächsten Album zu rechnen? Und was wird uns dort erwarten?

Wir haben schon viele neue Lieder geschrieben und werden demnächst im Studio unser drittes Album aufnehmen. In den vergangenen paar Monaten haben wir uns viel mit dem Thema Okkultismus auseinandergesetzt, der Idee des „Moonchild“ von Aleister Crowley, aber auch den anthropologischen Studien Edward Evan Evans-Pritchards über Magierituale in afrikanischen Stämmen, sowie dem Voodoo. Unser Plan ist es, diese Themen in ein Konzeptalbum einzubauen. Technisch werden wir mit einem reduzierterem Set-up als zuvor arbeiten, dafür aber die einzelnen Elemente voll ausschöpfen, vor allem mit Live-Percussion und einem neuen Gitarrensound.

Fühlt ihr euch noch wohl in Berlin? Wollt ihr hier bleiben?

Bis ans Lebensende werde ich hier nicht bleiben, aber momentan gefällt mir die Stadt noch gut genug. Bei mir dauert es immer 5 Jahre, bevor ich das Bedürfnis habe, woanders hinzuziehen. Es bleiben mir also noch ein paar hier in Berlin.

Dieser Text ist auch im Negatief Magazin erschienen.

Wir leben in einer Sehnsuchtskultur und haben mittlerweile mehr geistige als materielle Wünsche. Deshalb sind wir rastlos auf der Suche nach Dingen, die unsere Identität unterfüttern, unser Selbstwertgefühl anheben und unserem Leben Sinn verleihen. Dabei bedienen wir uns immer weniger bei klassischen geistigen Sinnofferten wie Religion und Philosophie, sondern entdecken Luxus als Prinzip der transzendenten Selbsterhaltung.

(– Christine Eichel in Cicero)

Liebe Frau Davis, mit Verlaub: das ist Käse.

Zugegebenermaßen: erwartbarer Käse, immerhin ist der Untertitel des Buchs „Was wir wirklich kaufen wollen“ nicht unbedingt ein tiefenpsychologischer oder gar interessant klingender. Kein konkreter Vorwurf also. Trotzdem: auch materielle Wünsche lassen sich doch schließlich auf – im allerweitesten semantischen Sinn – geistige abbilden. Status, Anerkennung, Ansehen, Liebe, all dieses Zeug von dem auch Frau Davis möglicherweise schonmal gehört hat. Triebkräfte des Lebens (also „Love & Death“, laut Woody Allen). Ich stelle mal so in den Raum (und bin zu faul, das argumentativ mit mehr als dem gesunden Menschenverstand zu unterfüttern, hin und wieder aber reicht das ja locker aus): auch den Porsche will man nicht haben, weil man Porsche so super findet (mal von Autoschraubernerds abgesehen), sondern in der Hoffnung auf mittelfristig besseren Sex.

Anders, nochmal: Davis behauptet, dieser von ihr so genannte „virtuelle Produktnutzen“ wäre finaler Zweck solcher Sehnsuchtsobjekte. Was, klar, an ihrem Job liegen mag – also, dass Trend und Mode nun mal zuerst und relativ offensichtlich in Produkten sichtbar wird. In BWL-Deutsch gesprochen: an der Nachfrage nach bestimmten Produkttypen und der entsprechenden Marktentwicklung lässt sich bestimmt etwas über die Volksseele ablesen. Aber, und jetzt komm‘ ich: nicht nur über die Volksseele, die Glitzerzeug kaufen möchte und die sich einbildet, „Glück“ wäre das, was RTL als bunte Wohnungs-Umgestaltung verkauft. Der Porsche unterscheidet sich kaum von einer schicken Krawatte, was den Zweck, sogar was den Grund angeht. Beides ist Kulisse, nicht Ausdruck eines Wollens, sondern eines Inszenierens, eines Spieles, meinetwegen. „Kundensehnsüchte“ my ass, nachts in Kopfkissen weinende arme Würstchen schon eher.

Vielleicht Musik.

Musik ist das Ausmalen von Vorstellungen, nicht nur das Ausmalen der Unsichtbaren (potentiellen) Aspekte, sondern auch das Ausmalen und Vorstellen des Haptischen (auch eine Form von Sex, übrigens). Augenblicke, die etwas versprechen, die noch nichts preisgeben, sondern während denen man nur ahnt und vermutet. Sich nähern und Verstehenwollen. Music was my first love, und nicht mal ich würde „Sehnsuchtskultur“ ausschließlich darauf reduzieren wollen: aber doch auch nicht nur auf Goldkettchen und Benzinfresser.

Naja. Nur ein Vorschlag.

Vor- und Urteile beiseite: das Berlinfestival fand zum vierten Mal insgesamt, zum ersten Mal auf dem Gelände des ehemaligen Flughafens in Tempelhof, und – nach organisatorischen Fehlgriffen bei der Wahl der Location 2005 & 2006, unerklärlichem Besuchermangel 2007 und einer Kreativpause 2008 – dieses Jahr vermutlich zum ersten Mal ordentlich besucht statt. Und natürlich war die Formulierung „auf dem Gelände des ehemaligen Flughafens“ zwar faktisch korrekt, aber durchaus mitgetragen von latentem Größenwahn, passen doch auf besagtes Gelände insgesamt locker 100 Festivals dieser Größenordnung gleichzeitig. Das Berlinfestival 2009 fand eigentlich „nur im Eingangsbereich“ statt, einem klar umzäunten und größtenteils überdachten (lies: regengeschützten) Teil (– die rhetorische Kurve zum „Kindergeburtstag“ wird hier dem Leser zur Übung überlassen –) im nordwestlichen Bereich des Geländes. Was zwar einen weiteren Teil Festivalgefühl zugunsten eines praktischen Betonbodens zunichte machte, aber keineswegs unannehmlich war, hatte man erst einmal seine Erwartungshaltung korrigiert.

Immerhin: Musik gab es auch, und diese war ebenfalls szene- und zielgruppengerecht außerordentlich sophisticated und mit erstaunlich gutem Händchen für Varianz ausgewählt. Auf den Spuren des Haldern Pop Festivals (seit einigen Jahren eine feste Größe im Bereich musikalischer Innovation, Talentförderung – also, der Verpflichtung von Acts, die hierzulande erst immer 1-2 Jahre später eine „große Nummer“ wurden bzw. werden) wandelte man selbstverständlich noch nicht, aber bereits mit Namen wie Frankmusik, HEALTH, Telepathe oder Oneida bewies man doch, daß man vor der Auswahl der Bands seine Nase nicht nur in den Musikexpress, sondern eben auch in den NME und vor allem in Weblogs gesteckt hatte. Selbst die Headliner kamen aus der Reihe der guten, ungewöhnlichen, interessanten: Moderat (die beim Melt!-Festival wegen Sturmwarnung ausgefallene Kollaboration zwischen Modeselektor und Apparat), Jarvis Cocker (als Pulp-Chef die grande dame des Britpop, „solo“ mit Band auf der Bühne eine Ausgeburt an Coolness und absoluter Sympathieträger des zweiten Abends), selbst das Erscheinen – oder besser „die Erscheinung“ – Pete(r) Dohertys (Ex-Libertines und seit einigen Jahren primär durch Absagen und Ausfälle der einen oder anderen Art bekanntgeworden) an sich war schon ein kleines Highlight und, wenn dann auch nicht gerade musikalisch, für die sogenannte Klatschpresse ein Grund zur Berichterstattung. Kindergeburtstag mal ganz positiv: Innovationsförderung und Progressivität. Oder zumindest Originalität.

Der Höhepunkt eines Kindergeburtstags ist aber natürlich erst erreicht, wenn alle Beteiligten durchgeschwitzt und mit knallroten Köpfen vom Kicken oder einer Kissenschlacht kommen und lächeln. Zu diesem Zweck waren Deichkind da. Was vor ein paar Jahren mal Hip-Hop war und dann zu einer „großen Party“ mutierte (vermutlich in der Tat beim Melt!-Festival 2006, als die Band zum Sonnenaufgang die Tragfähigkeit der Hauptbühne testete, indem sie nicht vor, sondern –dort– erstmals gemeinsam mit Besuchermassen feierten), war beim Berlinfestival 2009 der passendste aller denkbaren Abschlüsse: der perfekt durchchoreographierte Kindergeburtstag am Samstagabend auf der Hauptbühne, der alle bis dahin noch schräg im Hinterkopf sitzenden Soundprobleme mit dem Hallenecho, überhaupt alle kleinen Macken und Störungen, die auch ein kleines Festival wie dieses nun mal erlebt, in Vergessenheit geraten ließ. Ein Deichkind-Auftritt ist die konsequente Fortsetzung eines auch an anderer Stelle in der Musikindustrie aufkommenden neuen basisdemokratischen Prinzips: Deichkind (deren Logo mittlerweile übrigens frappierende Ähnlichkeit mit dem der Dead Kennedys hat) sind aber wahrscheinlich die ersten, die dieses basisdemokratische Prinzip „zum Wohle aller Beteiligten“ auch live durchziehen. Da wird nicht mehr crowdgesurft, da wird mit Schlauchbooten und Hüpfburgen durch’s Publikum gefahren. Da wird Knallfolie rollenweise ins Publikum geworfen, da wird mit Liegestühlen und Heimtrainern auf Trampolinen herumgesprungen, das Prinzip „Bierdusche“ neu definiert, und zuguterletzt – wie erwähnt – eine Kissenschlacht gegen, nein, mit dem Publikum gefeiert, daß man beim Staunen mehrere Stufen „WTF!?“ überspringt, andererseits aber vor lauter Hüpfen und Brüllen ja sowieso das Hirn leer macht.

Natürlich ist das schlimmes Kindergeburtstagsniveau, natürlich ist das schwer prollig, natürlich muß man sich nicht zwangsläufig für so etwas begeistern können – im Rahmen dieses Festivals aber war es passend, angebracht, konnte mit viel Fantasie sogar ein kleines bisschen ironisch gemeint interpretiert werden, und selbst wenn nicht: man kann den paartausend Menschen in der Mainstage-Halle auch einfach glauben, dass es riesigen Spaß gemacht hat. Plumpen, guten Spaß. Wie so ein Kindergeburtstag nun mal ist.

Der 25-jährige Student hatte gestanden, über die Tauschbörse Kazaa 30 Lieder (was knapp 3 Alben entspricht) heruntergeladen zu haben – ihm war zudem bewusst, dass die Songs auch anderen Kazaa-Nutzern zur Verfügung gestellt wurden. Das Copyright der Vereinigten Staaten sieht pro Song einen Schadensersatz zwischen 750 und 150.000 US-Dollar vor. Die niedrigste Strafe für Tenenbaum wäre demnach eine Summe von 22.500 Dollar gewesen. Und genau diesen Betrag muss er jetzt zahlen – allerdings pro Song. Das Bundesgericht in Boston hat gegen Tenenbaum einen Schadensersatz in Höhe von 675.000 Dollar verhängt. Der Fall Tenenbaum war der zweite Filesharing-Prozess vor einem Geschworenengericht. Erst im Juni wurde Jammie Thomas-Rassett, 32, in Minnesota zu einer Zahlung von 1,92 Millionen Dollar verurteilt. Sie hatte 24 Songs heruntergeladen.

„Eigentlich kam Joel Tenenbaum noch glimpflich davon: Nur 675.000 Dollar statt maximal 4,5 Millionen muss der Student wegen 30 illegal heruntergeladenen Liedern zahlen,“ schreibt die Netzeitung. Dass „nur“ 675.000 Dollar für einen Studenten eine extrem unrealistische Zahl darstellt, dürfte klar sein. Eine Privatinsolvenz scheint, so räumte auch Tenenbaum während des Verfahrens ein, die einzige Möglichkeit für ihn zu sein. Inzwischen wurde jedoch ein Modell gefunden, das dem verurteilten Filesharer aus der Patsche helfen soll. In dem Newsletter der für den Prozess eingerichteten Website joelfightsback.com heisst es:

„A grassroots campaign was started earlier today by individuals who aspire to help raise money in order for Joel not to have to file for bankruptcy. The idea is that if every file-sharer donated $.99 or the price of a few albums, a resounding message could be sent to the RIAA from the court of public opinion.“

Nun ist ein Spendenaufruf ja grundsätzlich nichts schlechtes. Die Frage ist nur, wem damit geholfen wird: Joel oder der RIAA (Recording Industry Of Association Of America)? Wenn das Geld schnell aufgetrieben wird, hat die Musikindustrie mit ihren absurden Vorstellungen einen wichtigen Sieg errungen und wird ihren Kampf gegen sogenannte Raubkopierer weiter fortsetzen. Dieser Meinung ist auch der Anwalt Ray Beckerman, der es ablehnt, die RIAA zu bezahlen. Beckerman empfiehlt, lieber Geld für einen Verteidigungsfond der Free Software Foundation zu spenden, die sich für freie Software und gegen die „Zerstörung der digitalen Zukunft“ einsetzt.

Inzwischen hat sich auch Joel Tenenbaum geäußert. Er stellt klar, dass das bisher gespendete Geld nicht an die RIAA gezahlt, sondern für den weiteren Prozessverlauf eingesetzt wird. Im FAQ der Facebook-Gruppe „Joel Fights Back Against RIAA“ antwortet Tennebaum auf die Frage, was er macht, wenn es bei der Schadensersatzforderung bleibt: er werde Insolvenz anmelden. Auch seine Haltung wird dort deutlich:

Question: ‚The RIAA are a bunch of rotten bastards.‘
Answer: ‚I Know‘

Dem ist zum jetzigen Zeitpunkt wohl nichts hinzuzufügen.

Der langen Einleitung endlicher Sinn: seit letztem Wochenende müssen sich Oasis, als Headliner am dritten Tag des Melt!-Festivals in Gräfenhainichen bei Dessau das Wochenende beschließend, wohl in die gleiche Kategorie jener Konsensbands einordnen lassen.

Null

Dabei lief in den drei Tagen zuvor fast alles prima. Der Veranstalter hatte offenbar aus der organisatorischen Schlappe des Festivals im Vorjahr gelernt und dieses Jahr eine ganze Menge richtig gemacht, von der Begrenzung der Besucherzahlen (erstmals war das Melt! ausverkauft) über die klassische Platzierung der verschiedenen Bühnen (wie in den Jahren bis 2007 – die Wege zwischen den Bühnen/Acts wurden also wieder kürzer) bis hin zu offensichtlich besser vorbereiteten und freundlicheren Security-Repräsentanten als noch 2008. Das Melt! als Gratwanderung zwischen Baggersee-Improvisation und Monster-Event einerseits und zwischen Indie-Rock und Elektronik andererseits hatte es da schon immer ein bisschen schwerer, nicht nur wegen der vergleichsweise heterogenen Zielgruppe, sondern auch, weil es immer irgendwie etwas „besonderes“ sein wollte: inhaltlich/musikalisch natürlich, aber auch von der Atmosphäre, erzeugt durch diese Sorte Kids, die sich nur noch selten darum schert, ob ein Künstler nun ein DJ-Set oder einen Live-Auftritt bringt (an Notebooks stehen sie eh alle), und bei der eben vor allem die eigene Wahrnehmung, der Spaß am Wochenende, die Begeisterungsfähigkeit an der Musik zählt, und nicht die mitgeschleppten Bierkästen und das viertägige Komakotzen. Das Melt! war schon immer ein Festival, das so gerade noch als kuschelig durchging, bei dem man mit den meisten Leuten nicht nur gut klar kam sondern auch schnell ins Gespräch, bei dem es kein Lagerfeuer (sondern überdimensional große Bagger und ähnliche Alt-Industrie-Artefakte) brauchte, um sich wohl zu fühlen.

Eins

Und so ein Festivalwochenende läuft dann eben doch immer vergleichbar ab: zu Beginn der Freitag voller Euphorie und Neugierde, bei dem die ersten Stunden noch mit dem Beschnuppern des Geländes, dem Treffen von Bekannten, dem Zurechtfinden und Rumtelefonieren verbracht werden. Der Nachmittag und der frühe Abend, der dann übergeht, ganz behutsam, in die eigentliche Festivalstimmung – so auch dieses Jahr. Gisbert zu Knyphausen und This Will Destroy You im Zelt, kurz danach Rex The Dog am anderen Ende des Geländes auf der so genannten „Big-Wheel-Stage“ (eine von immerhin zwei der fünf Bühnen, die noch ohne Sponsorennamen auskommen – die drei anderen gehören zu den Momenten, die man zwar als ordentlich unkommerziell sozialisierter Musikfan schon ambivalent betrachtet, aber wenn einem dann andererseits Schuhhersteller und Softdrinkplörre dieses Festival und dieses ganze Angebot an Tolligkeit erst möglich machen, ganz zu schweigen von den für Festivalverhältnisse mehr als ordentlichen Getränkepreisen auf dem ganzen Gelände, verschiebt man den Diskurs eben gerne mal im Kopf auf die Tage danach) – wahrscheinlich nirgendwo anders gelangt man so schnell von beeindruckendem Liedermacher- zu Post-Rock und danach zu einem Electro-Set, das „sich gewaschen hat“, wie es meine Oma ausdrücken würde, wenn sie noch leben (und außerdem Ahnung von elektronischer Tanzmusik haben) würde. Bodi Bill, Klaxons, La Roux, Röyksopp, Aphex Twin (letzterer als einziger „Griff ins Klo“ des ersten Abends mit einem verspult-frickeligen Kunstgalerie-Show-Off und schlechten Backgroundvideos, vor allem jedenfalls nicht mit einer einem Headliner würdigen „Größe“) – eine nackte Aufzählung natürlich, die wie üblich den Nichtdagewesenen vermutlich auch nichts bringen wird, den Mitfeiernden aber eventuell ein Lächeln auf’s Gesicht – Rezensionen funktionieren ja oft nur über Anknüpfungen und Gemeinsamkeiten. Sogar der nach drei Uhr nachts einsetzende Sturm, der zur Schließung des Geländes und – gelinde gesagt – leichtem Chaos führen sollte bei den Bussen, die zwischen Festival-Halbinsel und Zelt- beziehungsweise Parkplatz pendelten, konnte da nur anfangs für schlechte Laune sorgen. Für das Wetter konnte der Veranstalter nunmal nichts, und war man erstmal ein paar Kilometer gelaufen, war einem der Regen auch irgendwie egal.

Zwei

Auch ein zweiter Festivaltag beginnt normalerweise mit Erkältung, Kater oder lauten Nachbarn und dementsprechend eher mittelmäßiger Laune. Da passt es ganz wunderbar ins Konzept, dass das Melt! ein Nachtfestival ist, bei dem „from dusk til dawn“ gefeiert wird, man also fast den ganzen Sams-Tag zur Regeneration hatte, bevor man sich von den Filthy Dukes wachrütteln ließ, bei Caribou die Eleganz parallel drummender – ähm – Drummer bestaunen konnte und bei Animal Collective immer nur denken musste, dass sich Richard Aphex D. Twin James am Vorabend hier vielleicht mal hätte abschauen können, wie man verstörend-eigenartig und dennoch nicht zu speziell mit elektronischer Musik auf einer Hauptbühne auftritt. Die restlichen eher müden Durchhänger des Samstags (nämlich: Fever Ray mit sehr viel Show und null Dramaturgie beziehungsweise einem Auftritt, bei dem man sich 55 von 60 Minuten lang fragte, wann es denn nun endlich losgeht; MSTRKRFT auf der Bühne an der „kleinen Strandbar am See“ mit einem zugegebenermaßen gewohnt prollig-lustigen „auffe Zwölf“-Auftritt; DJ Hell mit einem Set, das sich nicht zwischen „gleich geht’s los“ und „guckt mal, ich kann auch Breaks“ entscheiden konnte; und Digitalism auf der Hauptbühne, gegen deren „Bratzen-Electro“ beispielsweise im Vergleich Boys Noize hochintellektuelle Kunststudentenmusik gewesen wäre – und natürlich gefühlt zirka tausend anderen Acts, die man auf so einem Jahrmarkt nicht aktiv wahrnimmt, eventuell am Rande spürt, die Anwesenheit fühlt, im Programmheftchen liest, sie aber dann leider doch verpasst) – diese genannten müden Durchhänger jedenfalls wurden gegen vier Uhr früh von Bonaparte so sehr in den Schatten gestellt, dass der parallel stattfindende Sonnenaufgang nur noch als Gimmick am Rande wahrgenommen wurde. „Menschen, Tiere, Sensationen“ mag wie eine Floskel klingen, ist aber das einzige, woran man noch denken kann, während man einen Auftritt von Bonaparte sieht. Erwartungsgemäß also auch am Sonntag früh: verschwitzte T-Shirts, glücklich guckende Menschen, und die Sonne, die gelbe Sau, aufgehend hinter, nein, in dieser unfassbar grandios wirkenden Kulisse. (Denn, nur für den Fall, dass es immer noch nicht oft genug erwähnt wurde: das Melt! ist eines der schönsten.)

Drei

Der Sonntag als dritter Festivaltag wurde erst im letzten Jahr beim Melt! eingeführt, denn just zu jenem Zeitpunkt war Björk in der Gegend, die man nicht innerhalb des normalen Festival-Lineups verheizen wollte (und deren Gagenforderung das wahrscheinlich auch nicht gerechtfertigt hätte) – so wurde ein Anhängsel daraus. Ein dritter Tag, für den auch Einzeltickets verkauft wurden, an dem sich einige schon wieder auf den Heimweg machten und andere nur deswegen nach Gräfenhainichen kamen. Ein dritter Tag, an dem nicht mehr alle Bühnen geöffnet hatten, ein „kleines Festival“ nach dem großen, für das jemand wie Björk perfekt geeignet war.

Vielleicht hätte man ja wenigstens Blur anfragen können, die sich zwar musikalisch auch irgendwo im Konsensabteil aufhalten, deren Reunion-Gigs aber kurz zuvor in London für weitaus mehr Aufsehen gesorgt haben, als es ein Oasis-Konzert je erreichen würde – schließt man einmal vorsichtig von der Resonanz des Publikums an diesem Sonntagabend auf den „Impact“, den eine Band wie Oasis offenbar nur noch hat. Dass keine Zugabe gespielt wurde, mag bei anderen Bands ein origineller Bruch mit festen Live-Ritualen sein, bei Oasis war es nur konsequent und nicht anders zu erwarten, staunte man doch fast eineinhalb Stunden lang über das Nicht-Ausflippen einer Menschenschar, über das Ausbleiben jeglicher Euphorie, über das Quälen durch eine Setlist, die noch nicht einmal Tiefen hatte – neunzig Minuten ohne Höhen hätte man wenigstens noch als Inspiration für einen originell formulierten Verriss nutzen können, aber neunzig Minuten ohne Tiefen ließen einen dann leider auch nur noch permanent auf die Uhr sehen. Oder auf die Kulisse, denn die war – ich wiederhole mich.

Der dritte Festivaltag als solcher mag funktionieren (und er hat es auch dieses Jahr, obwohl die großartigen Glasvegas ihren Auftritt schon bei Sonnenlicht spielen mussten, obwohl Polarkreis 18 im Lineup standen, obwohl eines der Festivalhighlights – Yuksek – fast unbemerkt auf der Gemini-Stage versteckt wurde, und obwohl – nein, gerade weil Kasabian kurz vor dem sogenannten Headliner Oasis deren Job übernommen und die Massen zum Ausrasten gebracht haben). Vielleicht findet sich ja nächstes wieder ein würdigerer Abschluss.

Abgesehen davon nämlich war alles sehr prima, dort auf der Halbinsel, zwischen den Baggern.

Dreizehn

2010.

New Waver: „Ey, haste schon die neuen Editors Songs gehört?“
Grufti: „Neue Editors Songs?“
New Waver: „Ja, bei Youtube gibt’s wohl vier neue Editors Songs vom Hurricane Festival“
Grufti: „Und?“
New Waver: „Soll wohl Synthie Pop sein“
Grufti: „Hm.
New Waver: „Im September kommt ja das neue Album endlich.“
Grufti: „Neues Interpol-Material würde mich mehr interessieren.“
New Waver: „Fahren wir zum Reeperbahnfestival?“
Grufti: „Da spielen Lowline, ne?“
New Waver: „Ja, und die Editors!“

Freitag Mittag am Telefon:

New Waver: „Hab gerad die neuen Editors Songs gehört.“
Grufti: „Ja, ich auch.“
New Waver: „Synthie-Pop-Dreck, braucht kein Mensch.“

Moby im Neuköllner Heimathafen, einer – gemessen am ehemaligen Starkult rund um den Amerikaner – mit zirka 600 Personen Fassungsvermögen eher kleinen und in Berlin auch unüblichen Konzertlocation, die entsprechend schnell ausverkauft war, nicht nur weil es eines von nur drei Solokonzerten in Europa für Moby sein sollte. Das neue Album „Wait for me“ im Gepäck, man kennt das, ganz klassisch – Live als Unterstützung für den Plattenverkauf, im Jahr 2009 schon fast eine anachronistische Geste, läuft es mittlerweile doch meist umgekehrt. Überhaupt, der 90er-Flashback: das Publikum im Schnitt Mitte 30, der Saal durchaus nicht komplett gefüllt, daher fast überall gute Sicht und guter Sound. Selten genug. Und auch überall drumherum permanent das Gefühl, beim Einlass durch eine Zeitmaschine gegangen zu sein: Getränkepreise auf ordentlich-angenehmem Neukölln-Niveau, als Security keine kurzhaarigen Anabolika-Kampfmaschinen, sondern ältere Herren im Anzug mit Namensschildchen, ursprünglich vermutlich als Platzanweiser gecastet. Schick.

Moby 2009

Nichts davon war schlecht, nichts davon war so, dass man das ausgegebene Geld bereut hätte, aber ich war auch nicht der einzige, der sich oft eher ratlos umgesehen hat: da hätte eine Moby-Coverband auf der Bühne stehen können, es hätte keinen Unterschied gemacht. Und die Belanglosigkeit im Auftritt passte dann doch wieder zum Setting und Publikum: bei den Hits im Takt mitklatschend als wäre man bei „Wetten, dass..?“, und auch sonst eher „dancend“ als tanzend, als wäre man auf einer Ü30- oder Afterwork-Party und nicht auf einem Konzert. Ist es anmaßend, wenigstens ein kleines bisschen Innovation zu erwarten? Auf ein kleines bisschen „Wow!“ oder wenigstens „Uff!“ zu hoffen? Es blieb bei einem überflüssigen – nein, nicht mal überflüssig, sondern: es wurde ein egaler Abend, der dem Albumtitel „Wait for me“ einen eigenartigen Subtext verlieh. Moby rennt den Nuller Jahren hinterher.

Mit schlimmsten Befürchtungen also zwei Tage später auf dem Weg zu den Pet Shop Boys ins Tempodrom, denn das Argument „es kann eigentlich nur besser werden“ war ja noch nie ein haltbares. Jedenfalls nicht, wenn eine Band für einen so beträchtlichen Teil der eigenen musikalischen Sozialisation verantwortlich ist wie das bei den Pet Shop Boys der Fall ist. 4000 Leute im ausverkauften Tempodrom, nicht ganz so kuschelig wie bei Moby also, aber kein Hallen-Monster wie die Treptower Arena oder, Gott bewahre, eines dieser seelenlosen Sponsorennamen-Mehrzweckhallen-Ungetüme. Aber auch Gemeinsamkeiten: gleiche Zielgruppe und ähnlicher Altersschnitt wie zwei Tage zuvor. Und dass für ein Konzert -teilweise- Sitzplatztickets verkauft wurden, dass ein Konzert von Antenne Brandenburg präsentiert wird, und dass die Vorband unerträglich schmalzigen Deutschpop-Chansonschlager (think „bastard child of Tele & Anajo“) macht, so dass man ihren Namen sofort wieder vergisst – all das verheißt normalerweise auch nichts unbedingt gutes.

Aber!

Da waren ja schließlich noch die Pet Shop Boys. Neil Tennant und Chris Lowe, deren Bild beim Stichwort „perfektionierte musikalische Kulissenschieberei“ vor dem geistigen Auge auftaucht (und das vermutlich sogar im 90er-Jahre-Styling mit „Boy“-Cap).

(…) könnten wahnsinnig viel falsch machen, fast wartet man auf eine geschmackliche Entgleisung. Sie könnten zum Beispiel Pyrotechnik einsetzen. Sie könnten nackte Tänzer mit Engelsflügeln sich abseilen lassen. Sie könnten auch über schmale Laufstege ins Publikum schreiten oder einfach zu viel sprechen. Aber sie tun das alles nicht. Nach 14 Platten und 23 Jahren Bandgeschichte hat man hat schließlich einen Ruf zu verlieren.
(– Esther Kogelboom im Tagesspiegel)

Nicht, dass dieser Vergleich notwendig wäre, aber: Alles, was man Moby anlasten könnte, haben die Pet Shop Boys an diesem Abend nämlich richtig gemacht. Auch sie sind eine 90er-Band, auch sie spielen zu einem Großteil Best-Of-Shows (wie man das in der Depeche-Mode- oder eben Moby-Größenordnung nun mal so macht), also neben den durchaus vorhandenen aktuellen Songs und Single-Auskopplungen (sagt man dazu eigentlich wirklich noch „Auskopplungen“?) eben die Tracks der eigenen musikalischen Geschichte, die von Tracks zu Songs und von Songs zu Hymnen wurden (und von Hymnen wieder zu Kult, von „Go West“ mal abgesehen, das von der Hymne zum Kitsch wurde).

Pet Shop Boys 2009

Für die Antenne-Brandenburg-Hörer „Go West“, für die Setlist-Nerds das zuletzt auf der 1991er-Tour gespielte „Jealousy“. Für alle im Saal „Being Boring“ (einen der wenigen mir bekannten Songs, dem eine vollständige Website gewidmet ist), für mich „King’s Cross“. Und all das zu einem Stagedesign und während einer Choreographie, die ebenso scharf auf der Grenze zwischen „Clubkonzert“ und „Mega-Event“ balancierten: technisch perfekt, und trotzdem mit Seele. „West End Girls“ zum Abschluss und das Versprechen, im Dezember wieder nach Berlin zu kommen, und ein Großteil der Anwesenden wäre noch am gleichen Abend Karten kaufen gegangen, hätte es schon welche gegeben.

Sogar aus den hinteren Reihen konnte man an einigen Stellen während des Konzerts das ganz subtil angedeutete Lächeln im Gesicht Neil Tennants erkennen, eines dieser Lächeln, das man aus Männerfreundschaften kennt, wenn man nicht viel miteinander reden muss, aber sich eben auch ohne große Worte versteht. Das Publikum wusste, daß die Pet Shop Boys wissen, dass es (das Publikum) sich über bestimmte Songs freuen würde, und das wiederum wussten die Pet Shop Boys – und das ist im echten Leben gar nicht so kompliziert, wie es sich jetzt liest. So war das jedenfalls zwischen den Jungs auf der Bühne und dem Publikum an diesem Abend: Verbundenheit. Sowas bekommt ein Moby einfach nicht hin.

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