Ein Gespräch mit Andreas Rauscher.

Warum ist „Arkham Asylum“ ein solcher Erfolg?

Als Autor für das Spiel wurde mit Paul Dini einer der angesehensten Comic-Autoren engagiert. Es wirkt sich natürlich auf die Qualität aus, wenn das Spiel wie eine eigene Graphic Novel behandelt wird, statt nur ein lieblos zusammengestückeltes Abfallprodukt umzusetzen. Einen ähnlichen Qualitätssprung erleben wir, wenn sich spielebegeistere Regisseure in die Games-Produktion einmischen. Das war zum Beispiel beim Spiel zu Peter Jacksons „King Kong“ der Fall.

Was zeichnet die Handlung von „Arkham Asylum“ aus?

Der Plot erinnert stark an eine wirklich exzellente, sehr experimentelle Graphic Novel aus den späten Achtzigern. Die hieß „Arkham Asylum: A Serious House on Serious Earth“ und stammt von den Autoren Grant Morrison und Dave McKean. Darin ergreift der Joker die Kontrolle über die Nervenheilanstalt Arkham Asylum. In einer surrealen Odyssee, in der sich die normalen Raumstrukturen auflösen, muss Batman den Weg aus diesen alptraumhaften Kammern finden. Unterwegs trifft er auf seine ehemaligen Gegenspieler. Das Ganze entwickelt sich zu einem ziemlich düsteren Batman-Psychogramm.

Welche filmischen und literarischen Vorlagen hat das Spiel?

Die Bezüge zu Lewis Carrolls „Alice in Wonderland“ wurden zwar nicht ins Spiel übernommen, waren in der Graphic Novel aber von zentraler Bedeutung. Dort haben Morrison/McKean sie in einer bizarren Variante adaptiert. Bei Batmans Charakter hat man sich ja immer schon denken können, dass für ihn in Arkham Asylum eine Gummizelle frei ist. Er ist selber hochgradig neurotisch, der Unterschied zwischen ihm und seinen Gegenspielern ist ziemlich gering. Dieses Thema wird dann auch in Christopher Nolans Film „Dark Knight“ wieder aufgegriffen. Und auch auf die Ästhetik des aktuellen Videospiels wirkt sich das alptraumhafte Szenario der Graphic Novel aus. So etwas gab es in den bisherigen Batman-Games nicht. Bei den Spielen haben wir jetzt die beiden gegensätzlichen Pole des Batman-Universums: Das auszeichnete „Lego Batman“ von 2008 fährt die Schiene des Pop-Art-Batman weiter: als grell überzeichneter Comic-Spaß. „Arkham Asylum“ dagegen fährt die Gothic-Horror-Schiene, die bei Batman genauso wichtig ist.

Graphic Novels dienten schon mehrfach als Vorlage für Videospiele. Welche ragen da heraus?

Es gab ein paar ganz nette Marvel-Adaptionen. 2005 erschien ein Spiel zur Comic-Serie „Ultimate Spiderman“, an dem auch einige Autoren der Vorlage mitarbeiteten. Das Game war zwar nicht überwältigend, aber ein ganz netter Versuch, das offene Gameplay von „Grand Theft Auto“ zu übernehmen. Auf Dauer wurde das Gameplay leider ziemlich redundant.

Die Spielmechanik aus „Arkham Asylum“ wird besonders gelobt …

Da wurden geschickt Elemente aus Stealth-Games wie „Splinter Cell“ auf „Batman“ übertragen. Frühere Batman-Spiele waren meistens einfache Jump’n‘Run-Games. Lustigerweise konnte man in den Super-Nintendo-Adaptionen zu den Batman-Filmen meistens den Batarang so werfen, dass er den Effekt einer Schusswaffe hatte. Der Stealth-Aspekt spielte da keine wirkliche Rolle.

Im neuen Batman-Spiel gibt es ziemlich viele Cutscenes. Ist das ein sinnvolles Stilmittel?

Bei „Arkham Asylum“ ist es ganz reizvoll. Es wurde ja nicht nur ein gefeiertert Comic-Autor engagiert, sondern auch eine ganze Reihe von Sprechern, unter anderem der frühere „Luke Skywalker“ Mark Hamill, der inzwischen Karriere als Joker in den Batman-Animationsserien macht. Das trägt stark zur Atmosphäre des Spiels bei.

Dein Fazit?

Statt auf die Schnelle ein „Dark Knight“-Videospiel nachzuschieben, wurde mit „Arkham Asylum“ ein eigenständiges und sehr gelungenes Batman-Spiel produziert. Ich finde es gut, dass man versucht, die Videospiele mit einem eigenen Ansatz zu versehen, und nicht nur flächendeckend Merchandising-Produkte raushaut, wenn ein neuer Batman-Blockbuster in die Kinos kommt.

Andreas Rauscher ist wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Filmwissenschaft der Universität Mainz und freier Journalist. Derzeit sitzt er an seiner Habilitationsschrift „Spielerische Fiktionen – Genrekonzepte in Videospielen“.

(Dieses Interview ist auch auf lordsofzock.com erschienen.)

Im Orbit

Allein unter Vielen

(k)osmos(e)

Sicher: Ästhetisch bewegt man sich im Bereich anderer Klassiker wie beispielsweise Rez oder Darwinia (die ebenfalls ihren Reiz ja gerade auch aus dieser „Reduzierung“ ziehen), auch spielerisch gibt es ausreichend Vorbilder. Und Osmos ist auch ein nicht unbedingt komplexes, lang dauerndes Spiel – eine Hand voll Level, selbst für Ungeübte mit wenig Freizeit ist das nach ein paar Stunden bzw. Abenden erledigt.

Ich und du beide

Ich wollte im Wilden Westen endlich mal was Spannendes erleben, deshalb holte ich mir das Videospiel „Damnation“. Die Story klang ganz nett. Steampunk halt. Das Genre, in dem alle Maschinen mit Dampf betrieben werden. Also nicht nur Dampfturbinen und Dampfbügeleisen, sondern auch Computer, Raumschiffe und USB-Sticks. Steampunk verströmt so ein heimeliges Gefühl von handgemachtem Hightech. Vergangenheit und Zukunft befinden sich im Einklang. Mit der einen Hand programmiert man Cpluspythonirgendwas, mit der anderen Hand trinkt man Tee aus einer viktorianischen Tasse, den kleinen Finger stilvoll abgespreizt. So ist Steampunk.

Ein heimeliges Gefühl von handgemachtem Hightech.

„Damnation“ wurde in der dampfbetriebenen Marketing-Sprache als „erster vertikaler Shooter“ gepriesen. Ich sehe zwar keinen qualitativen Unterschied darin, ob man waagrecht, senkrecht oder oder schräg ballert, aber ein bisschen Höhenangst kann ja nicht schaden – die hat mich schon als Kind auf der Aussichtsplatzform des Freiburger Münsters fasziniert. In „Damnation“ gibt es jede Menge Industrieruinen und Canyons, auf die man draufklettern oder in die man reinstürzen kann. Oft stehen Zombie-Soldaten exponiert in der Gegend rum, die kann man dann abschießen und in den Abgrund stürzen sehen – schön. Unser Rourke ist ein strammer Klettermax, ein Eichhörnchen in Lederkluft: Behende springt er von Brüstung zu Balkon, schwingt sich rückwärts durch offene Fenster und robbt an Straßenlaternen hoch, ganz ohne die Beine zu benutzen. Endlich mal ein Held, der nicht schwitzend und saufend in irgendwelchen Kneipen abhängt, sondern Initiative zeigt. The sky is the limit.

Aber Rourke ist nicht nur ein guter Freeclimber, sondern auch ein prima Kumpel. Warum auch sonst würde er mit einem Haufen talentfreier Rebellendarsteller durch die Lande ziehen? Da gibt es den angegrauten Wissenschaftler, der immer Sprengstoff sparen will, obwohl Sprengstoff bekanntlich eine Basiszutat von Action-Computerspielen ist. Dann wäre da noch die Wildwest-Amazone, deren Daseinsberechtigung offenbar auf ihre Leichtbeschürztheit zurückzuführen ist. „Unterstützung“ erhält das Trio Infernale von einem Eso-Indianer, der in einer Felsenhöhle wohnt und dank unbekannter Drogen hellseherische Fähigkeiten besitzt. Später stößt noch ein mexikanischer Widerstandskämpfer hinzu, der einen unglaublich nervigen s-panisen Akzent besitzt. Wenigstens spricht er von „Terra Verde“ und nicht von „Terra Verte“, wie es immer in den Untertiteln steht.

Von Wikipedia habe ich gelernt, dass es im Steampunk auch Dinge gibt, die es eigentlich gar nicht gibt, zum Beispiel Magie, Satanismus und Geisterbeschwörungen. In einem „normalen“ Computerspiel würde ich auftretende Fehler einfach „Fehler“ nennen, aber vielleicht sind das in „Damnation“ einfach Raum-Zeit-Anomalien, die von den Programmierern dramaturgisch geschickt eingebaut wurden. Folglich macht es keinen Sinn, wenn ich mich über gestorbene Gegner aufrege, die zappelnd in der Luft schweben, wenn ich mich über noch lebende Gegner wundere, die mich mit ihren schrottigen Pistolen aus mehreren Kilometern Entfernung treffen, oder wenn ich Einspruch gegen diese klotzigen Steampunk-Motorräder einlege, die nicht über, sondern durch den Boden fahren. Wie sagte doch der Eso-Indianer? „Sie schänden die Erdenmutter ohne Rücksicht.“

Nein, nein, nein. „Damnation“ als Dampfschrott zu bezeichnen, wäre einfach nur ungerecht. Die Landschaftstexturen sind nicht einfach nur matschig-braun, sondern passen perfekt zu der depressiven Stimmung des amerikanischen Bürgerkriegs. Und Rourkes Kollegen sind nicht einfach nur dämlich, wenn sie sich mitten ins Feindfeuer stellen, zusammensacken und so lange rumjammern („Mir geht’s nicht so gut“), bis Rourke sie „heilt“. Nein, dies ist ein Prüfstein für wahre Solidarität, für Bürgersinn, Mut und Nervenstärke. Und dann die hanebüchenen Zwischensequenzen, lächerlichen Dialoge, sinnlosen Kameraschwenks, verpeilten Synchronsprecher: Alles nur Prüfsteine.

Fazit: Wer immer schon nichts über den amerikanischen Bürgerkrieg wissen wollte, dazu noch auf schlechte Unterhaltung und fehlerhafte Software steht, der sollte dieses Spiel nicht kaufen. Denn es ist schlicht und ergreifend eines: perfekt.

Dieser Text ist auch auf lordsofzock.com erschienen.

Owen Hatherley: Militant Modernism // Bild: Douglas Murphy

Vor allen Dingen bemüht sich das Buch mit viel Hingabe um die Rettung eines Denkens, das nicht dumm war, aber diskreditiert ist bis zur Undenkbarkeit. In seiner Verteidigung der brutalistischen Betonbauten, die in England bis in die Siebziger hinein entstanden und dann von Faux-Victoriana und anderen historisierenden Fälschungen abgelöst wurden, benennt Hatherley ziemlich deutlich, was ihn umtreibt, konfrontiert mit der noch andauernden Abwicklung der Moderne: a collective groan of „what were we  t h i n k i n g?“ standing in for thought.
Der Mann hat ernste Zweifel daran, dass die brutale Moderne, ihre Ästhetik der Kraft und ihre kollektivistischen Projekte, so offensichtliche Irrtümer waren, wie der gegenwärtige Geist der Restauration das haben will. Konnten wir wirklich nie etwas anderes wirklich wollen als simuliertes 19. Jahrhundert, Ziegel und Stuck und Sandsteinfassaden? Und war das ein Irrtum, der Gedanke, dass Architektur mitbedingt, wie wir denken und leben? Haben wir einfach Bedürfnisse, Stuck, Flügeltüren, Parkett, Einfamilienhäuschen, Kasten Bier? Oder wirkt Architektur doch, jede, auch die mit Stuck und Häuschen?

Die Artefakte in Hatherleys Gegenkanon sind nicht alle gleich obskur, aber alle flirren. Sie zeugen, jedes für sich, von der Möglichkeit eines uns zeitgenössischen Schnarchzapfen kaum vorstellbaren allgemeinen Erregungslevels, von der Möglichkeit des Möglichen. Zusammen ergeben sie ein berauschendes Bild. Die gescheiterten Projekte der Moderne wirken bei Owen Heatherley so viel begehrenswerter als die – wie jeder zugeben wird – immer drögeren Fleißerfolge der Gegenwart. Sie wirken begehrenswerter, weil sie erst einmal gescheitert sind, und an etwas, das es wert war. Wer je selbst versucht hat, etwas zu machen, weiß, dass, wer einmal gescheitert ist, eigentlich noch gar nicht richtig angefangen hat.

Und damit sind wir am Kern dessen angekommen, was dieses Buch verhandelt: Die Frage, was wir wollen, bzw., was wir wollen können. Dass es nichts mehr zu wollen gäbe, nur furchtsam zu bewahren, ist eine der finstersten Vereinbarungen der Gegenwart. Wenn man eins vom fast vertriebenen Geist der Moderne lernen kann, dann, dass es immer zu wollen gibt. Nicht notwendigerweise Beton brut, vielleicht war der nur Mittel zum Zweck und sehr geeignet, seinen Punkt zu machen, sondern: Jedenfalls mehr, wirklicher, vorwärts, kurz: Leben, Details bitte einfüllen, persönlich und für das Zeitalter, und bitte gründlich nachdenken und: nicht vergessen.

Diese Aufgabe an die Vorstellungskraft und an eine wache Analytik der Gegenwart, die Forderung nach einem Menschenbild, nach einem überzeugenden Ort, den es zu gewinnen geben könnte, ist dringend. Sie ist dringend im Hinblick auf die letzten Reste der Gegenkultur, die sich in einem undeutlichen Widerstand auflöst, der nichts mehr zu wollen scheint als die Knute des bösen Vaters. Noch dringender ist sie im Angesicht der gerade stattfindenden Ausformung des digitalen Milieus. Wir wissen noch nicht viel über uns, die erwachsenen Netzleute. Eine breit geteilte Faszination am Urbanen, am Körper im gestalteten Raum, lässt sich in jeden Fall schon feststellen. Wir haben begriffen, dass es draußen passieren müsste (was immer es ist). Wohin die Reise aber geht, ist weitgehend offen – was wir eigentlich wollen von unserer neuen Öffentlichkeit, außer dass sie uns nicht weggenommen werde, darüber haben wir uns noch nicht verständigt. Katzen, die Cheeseburger wollen, machen nicht satt. Grüne Twitter-Avatare werden nicht helfen, wenn es ernst wird. Und das kann ja passieren. Weg von hier geht es von alleine, die Frage ist, wo es hingehen soll.

Dass aus demokratisierten Medien etwas Interessantes kommen könnte, kommt uns doch, wenn wir ehrlich sind, zusehends selbst zweifelhaft vor. Der Stolz der Amateure hebt nicht die Bescheidenheit ihrer Mittel auf, und gegen die ungeheure globale Bilder- und Begehrensmaschinerie haben sie nur ihre kaum lebensgroßen Personen zu setzen. Aber, schreibt Hatherley über Baudrillard, der 1971 ungefähr zur ebendieser Einsicht gelangt, this claim would suggest that Baudrillard had never listened to London pirate radio.

Irgendwie geht es eben doch: Es ist bewiesen, gerade mit Musik ist es immer wieder bewiesen. Nicht von Großbürgern, die auf Parkett großgeworden sind, sondern typischerweise von Leuten aus dem Beton. Manchmal muß die Aufregung erst durch den Stein, und ein transformatives Projekt beginnt nicht mit Fackel und Fahne, sondern mit Input, Input für Gehirne und Augen und Begierden; es ist ein lang laufendes, mühseliges, kleinteiliges Programm für die Befreiung der Libido aus dem Griff der Werbung, eine Selbsterziehung und eine Erziehung der Anderen.

Militant Modernism ist bei Zero Books erschienen. Im Herbst folgt Mark Fishers Capitalist Realism, und wer Mark Fisher schon kennt und jetzt Owen Hatherley gelesen hat, ahnt, dass sich bei Zero was zusammenbraut. Aufmerksame Ästhetik im erweiterten Umfeld des jungen Spekulativen Realismus; Leute, die nicht aus der Defensive kommen, keine Lust auf romantische Verliererposen und keinen Grund zur Bitterkeit haben, weil sie zugeben können, dass es ihnen gut geht und ihre Unzufriedenheit ästhetischer und intellektueller Natur ist:

Man muss sich den Stumpfsinn ja nicht endlos antun.

Wir leben in einer Sehnsuchtskultur und haben mittlerweile mehr geistige als materielle Wünsche. Deshalb sind wir rastlos auf der Suche nach Dingen, die unsere Identität unterfüttern, unser Selbstwertgefühl anheben und unserem Leben Sinn verleihen. Dabei bedienen wir uns immer weniger bei klassischen geistigen Sinnofferten wie Religion und Philosophie, sondern entdecken Luxus als Prinzip der transzendenten Selbsterhaltung.

(– Christine Eichel in Cicero)

Liebe Frau Davis, mit Verlaub: das ist Käse.

Zugegebenermaßen: erwartbarer Käse, immerhin ist der Untertitel des Buchs „Was wir wirklich kaufen wollen“ nicht unbedingt ein tiefenpsychologischer oder gar interessant klingender. Kein konkreter Vorwurf also. Trotzdem: auch materielle Wünsche lassen sich doch schließlich auf – im allerweitesten semantischen Sinn – geistige abbilden. Status, Anerkennung, Ansehen, Liebe, all dieses Zeug von dem auch Frau Davis möglicherweise schonmal gehört hat. Triebkräfte des Lebens (also „Love & Death“, laut Woody Allen). Ich stelle mal so in den Raum (und bin zu faul, das argumentativ mit mehr als dem gesunden Menschenverstand zu unterfüttern, hin und wieder aber reicht das ja locker aus): auch den Porsche will man nicht haben, weil man Porsche so super findet (mal von Autoschraubernerds abgesehen), sondern in der Hoffnung auf mittelfristig besseren Sex.

Anders, nochmal: Davis behauptet, dieser von ihr so genannte „virtuelle Produktnutzen“ wäre finaler Zweck solcher Sehnsuchtsobjekte. Was, klar, an ihrem Job liegen mag – also, dass Trend und Mode nun mal zuerst und relativ offensichtlich in Produkten sichtbar wird. In BWL-Deutsch gesprochen: an der Nachfrage nach bestimmten Produkttypen und der entsprechenden Marktentwicklung lässt sich bestimmt etwas über die Volksseele ablesen. Aber, und jetzt komm‘ ich: nicht nur über die Volksseele, die Glitzerzeug kaufen möchte und die sich einbildet, „Glück“ wäre das, was RTL als bunte Wohnungs-Umgestaltung verkauft. Der Porsche unterscheidet sich kaum von einer schicken Krawatte, was den Zweck, sogar was den Grund angeht. Beides ist Kulisse, nicht Ausdruck eines Wollens, sondern eines Inszenierens, eines Spieles, meinetwegen. „Kundensehnsüchte“ my ass, nachts in Kopfkissen weinende arme Würstchen schon eher.

Vielleicht Musik.

Musik ist das Ausmalen von Vorstellungen, nicht nur das Ausmalen der Unsichtbaren (potentiellen) Aspekte, sondern auch das Ausmalen und Vorstellen des Haptischen (auch eine Form von Sex, übrigens). Augenblicke, die etwas versprechen, die noch nichts preisgeben, sondern während denen man nur ahnt und vermutet. Sich nähern und Verstehenwollen. Music was my first love, und nicht mal ich würde „Sehnsuchtskultur“ ausschließlich darauf reduzieren wollen: aber doch auch nicht nur auf Goldkettchen und Benzinfresser.

Naja. Nur ein Vorschlag.

Jacko eignete sich bestens als Videospiel-Figur: Seine Moves ließen sich leicht in Kampfbewegungen umdeuten, einen packenden Soundtrack lieferten seine Songs gleich mit. Mit dem Aufkommen der Musikspiele wurden Michaels Sanges- und Tanzkünste zunehmend zur Messlatte für partyfreudige Gamer-Meuten. Die echte postmoderne Basisarbeit aber leisteten jene Fans, die Jacko in ihre Lieblings-Spiele integrierten – auch wenn die Ergebnisse nicht immer überzeugen konnten.

Moonwalker (Arcade)

Michaels Debüt in der Games-Welt fand gleich doppelt statt: Sega veröffentlichte das Game zum Film „Moonwalker“ sowohl für den Daddel-Automaten System 18 als auch für die Genesis-Konsole. Jackos Videospiel-Geburt auf System 18 wurde von seinem typischen markerschütternden „Wooo Hooo“ begleitet – und der reichlich nüchternen Aufforderung, doch bitte Münzen einzuwerfen. Die Story – Jacko befreit Kinder aus den Händen des Mr. Big – lässt sich aus der Perspektive späterer Skandale sicher auch anders deuten.

Rein spieltechnisch betrachtet machte „Moonwalker“ für damalige Verhältnisse einiges her: Zu Songs wie Smooth Criminal ballerte man sich (gerne auch zu zweit als Doppel-Jackson) durch gegnergefüllte Level. Michaels Geheimwaffe war ein Tanzschritt, der einen Lichtkegel aktivierte, in dem Michael mehrere Special Moves zum Besten gab, was schließlich zur völligen Vernichtung der Feinde führte. Hin und wieder verwandelte er sich auch in einen Roboter mit doppelter Feuerkraft. Das Spiel ist heute ein Klassiker.

Moonwalker (Sega Genesis)

Etwas weniger spektakulär war die Genesis-Version. Statt pseudo-dreidimensionaler Isometrie-Perspektive gab es hier nur eine zweidimensionale Sidescroller-Ansicht. Der Soundtrack bestand aus MIDI-sierten Jackson-Hits, die Story war die selbe, auch hier „befreite“ Jackson Kinder aus Schurkenklauen. Beeindrucken konnte die Konsolenfassung mit trickreichen Michael-Mooves wie Hut-Bumerang, Kicks und Pirouetten. Wooo Hooo!

Space Channel 5

Dies war endlich mal ein Videospiel, bei dem der Spieler als MJ seine musikalischen Fähigkeiten zur Geltung bringen konnte. Oder besser gesagt, seine rhythmischen. Die Story ist reichlich verworren: Fiese Aliens, die Rhythm Rogues, kidnappen tausende von Menschen – und zwingen sie zum Tanzen, woraufhin sich eine Aufständischen-Bewegung um die Space-Channel-Reporterin Ulala formiert. Den Rebellen gelingt die Befreiung mehrerer Geiseln, unter ihnen „Space Michael“, der sein Talent daraufhin in den Dienst der guten Sache stellt und beispielsweise einen singenden Roboter besiegt. Hüstel.

SingStar

Michael Jackson war vor allem deshalb so erfolgreich, weil er a) sehr viel Talent hatte und b) sich blendend zu ikonisieren vermochte. Aus der Tatsache, dass die Welt nicht von Michael Jacksons wimmelt, lässt sich nur schließen, dass niemand außer ihm a) und b) derart gut zu kombinieren wusste. Dennoch gibt es speziell auf Youtube immer Zeitgenossen, die ihren Punkt a) für sehr ausgeprägt halten. Das wird dann schnell mal unangenehm. Erträglicher sind Zeitgenossen, die ihre Talente realistisch einschätzen und das Beste daraus machen – wie die beiden Herren nachfolgenden Video. Sie singen zu SingStar Vol. 3, das seit November 2008 die Verkaufsregale unsicher macht. In jedem Fall ist ihre Performance erbaulicher als das hier.

Plants vs Zombies

Grünzeug, das gegen Untote kämpft – mit diesem denkbar abwegigen Spielkonzept hat Plants vs Zombies 2009 den Casual-Markt erobert. Mittendrin: Der gute Michael als fauliger Zombie-Animateur – Thriller lässt grüßen. Aber seht selbst …

Super Mario World

Momentchen, was hat MJ in der Welt von Super Mario zu suchen? Ach ja, richtig: Er muss zwei fiese Prinzessinnen besiegen, die ihn unter anderem mit einem Maschinengewehr attackieren. So eine Grundkonstellation ist natürlich nicht massenmarkttauglich. Aber wozu haben wir denn die Videoröhre, auf der Untergrundfans ihre Fantasien ausleben können?

Dragonball Z

Bei diesem Video stand das Prinzip „Promi-Battle“ Pate: Ein Fan des Manga-Games Dragonball Z lässt den King of Pop gegen Prince Frieza antreten. Fragt mich jetzt nicht, warum dieser Frieza so berühmt ist, dass er gegen MJ battlen darf. Dass er der Sohn von King Cold ist, dürfte als Qualifikation alleine noch nicht ausreichen. Egal: Gegen MJ hat er im Video ohnehin keine Chance.

Dass Jacko aber auch verlieren kann, zeigt dieses Video.

Game-Musik

Mesu Kasumai ist der selbsternannte König des „Electrochip Wobblefunk“. Was auch immer das genau sein soll: Der Elektrofrickler hat sich auf 8bit-Covers von 80er-Jahre-Hits spezialisiert. Mit Beep it (MP3) gelingt ihm eine überzeugende, weil eigenständige Version des Jackson-Hits Beat it.

Dieser Text ist auch auf lordsofzock.com erschienen.

In der Geschichte der Computerspiele ist die bedrohte, verletzte, zerstörte Stadt ein lohnendes Motiv. Nach dem 11. September 2001 gab es jedoch zunächst nur wenige Studios, die sich an dieses heiße Thema trauten. Lieber suchte man seine Inspiration in den üblichen WW2-Szenarien oder in den Sternenkriegen der Zukunft. Spiele mit direktem 9/11-Bezug stießen stets auf scharfen Protest, beispielsweise das Flash-Game „New York Defender“, bei dem man in bester Moorhuhn-Manier heranfliegende Flugzeuge vom World Trade Center fernhält. Auch „Bad Day L.A.“, die Apokalypse-Satire des notorisch unkorrekten Doom-Mitentwicklers American McGee, wurde von den Mainstream-Medien abgewatscht.

Wer als Spiele-Entwickler politische Brisanz vermeiden wollte, ließ statt eines terroristischen Anschlags lieber eine Naturkatastrophe über die Menschen hereinbrechen. In „Disaster Report“ (2003) wird die fiktive Stadt von einem Erdbeben getroffen, und in dem für 2010 geplanten „I am alive“ erschüttert ein Erdstoß Chicago. Allerdings scheint die Zeit inzwischen wieder reif für menschengemachte Katastrophen, die Großstädte heimsuchen. 2009 wählen gleich drei Spiele dieses Szenario: In „Bionic Commando“ wird eine experimentelle Bombe gezündet, die ein verheerendes Erdbeben auslöst. In „Prototype“ lässt ein künstliches Virus die Bewohner von New York zu Zombies mutieren. Und im gerade veröffentlichten PS3-Titel „inFamous“ ist es die besagte Bombe, die Empire City an den Rand des Abgrunds bringt.

Es verwundert nicht, dass keine der Hauptfiguren aus diesen drei Spielen als Lichtgestalt daherkommt – längst hat der „Kampf gegen den Terror“ seine Schattenseiten offenbart. George W. Bush wurde zur tragischen Figur, weil er die Macht, die ihm nach dem 11. September in die Hände fiel, so hemmungslos missbrauchte. „inFamous“ stellt seinen Protagonisten Cole ebenfalls vor moralische Entscheidungen. Dabei hatte der sich um die Superhelden-Rolle keineswegs gerissen. Als Fahrradkurier soll Cole eigentlich nur ein Päckchen abliefern, nicht ahnend, dass es eine Bombe birgt. Die Explosion verleiht ihm übernatürliche Kräfte: Er kann jetzt mit den Händen Blitze schleudern, einen elektrischen Schutzschild um sich errichten oder auch flächendeckende Entladungen verursachen.

Dem unbeschwerten Genuss seiner neuen Fähigkeiten steht allerdings entgegen, dass Cole als Sündenbock für die Explosion herhalten muss: Die Einwohner von Empire City misstrauen ihm, und auch seine Freundin Trish, deren Schwester durch die Bombe ums Leben kam, sagt sich von ihm los. Der Einzige, der noch zu ihm hält, ist Zeke – ein nerviger Elvis-Verschnitt mit wenigen Talenten. Cole steht nun vor einer schwierigen Wahl: Entweder er macht den Urheber des Anschlags dingfest und wäscht sich von aller Schuld rein – oder er gibt einen Dreck auf die öffentliche Meinung und genießt die Rolle des Superschurken. Ohnehin wird die Stadt bereits von Verbrecherbanden kontrolliert, die sich das allgemeine Chaos zunutze machen. Weil seit der Bombe auch noch eine Seuche grassiert, hat die Regierung Empire City unter Quarantäne gestellt und hermetisch abgeriegelt.

Cole kann also in keinem Fall neutral bleiben gegenüber dem Schicksal der Stadt. Er kann nicht – wie Niko Bellic, der Protagonist aus „GTA IV“ – eine Existenz als Söldner fristen. Nicht einmal ein Doppelleben à la Batman oder Superman ist Cole vergönnt: Er ist der öffentliche Held, der überall erkannt wird. Passanten beschimpfen ihn und werden auch schon mal handgreiflich, aber sobald sein Karma durch gute Taten steigt, loben sie ihn und suchen seine Hilfe. Mit Figuren, die weinend auf der Straße sitzen und um ihre toten Angehörigen trauern, wollen uns die „inFamous“-Macher von Sucker Punch das Mitleid förmlich aus der Nase ziehen. Sie wollen unsere Moral kitzeln, indem sie nur die Spezialisierung auf Gut oder Böse mit mächtigen Zusatzfähigkeiten belohnen.

Ganz offensichtlich will „inFamous“ mehr sein als ein Spiel mit Hochglanz-Grafik und knallender Action, doch scheitert es an diesem Anspruch. Das Moralsystem ist völlig berechenbar: Sackt der Tugend-Pegel einmal ab, weil man eine schlechte Tat begangen hat, lässt sich das mit einer guten Tat rasch wieder ausgleichen – und umgekehrt. Dahinter steckt ein additives Verständnis von Moral, das in so mancher Religion ähnlich ausgeprägt sein mag. Für ein Computerspiel, das auf Spannung ausgelegt ist, hat es aber in jedem Fall nur begrenzten Wert: Es ist schlichtweg zu vorhersehbar.

Dass „inFamous“ auf der Moral-Ebene nicht berauschend Neues bietet, ist allerdings auch nicht wirklich schlimm. Denn ein Spiel, das so viel Oberfläche hat, braucht schlichtweg keine Tiefe. Das mit der Oberfläche ist durchaus wörtlich zu nehmen: „inFamous“ setzt konsequent auf die Vertikale und schafft damit einen dreidimensionalen Erlebnisraum, den sich der Spieler so gründlich einverleiben kann wie nie zuvor. Games wie „Assassin’s Creed“, „Prince of Persia“, „Bionic Commando“ oder „Mirror’s Edge“ wagen sich zwar ebenfalls hoch hinaus – aber bei keinem dieser Spiele ist das Leben in luftigen Höhen so selbstverständlich Teil des Gameplay.

Jede Fassade bietet genügend Angriffspunkte für unseren versierten Kletterer Cole; mit der Gewandtheit einer Katze springt er von Sims zu Sims, balanciert über Regenrinnen und Hochspannungsleitungen. Immer wieder geht der Blick hinab in gähnende Abgründe, doch anders als in anderen Spielen ist die Höhe keine Gefahr. Genüsslich wagt man die riskantesten Sprünge oder lässt sich einfach über die Dachkante ins Nichts fallen, denn Cole ist nicht einmal durch hundert Meter tiefe Stürze verwundbar. Nur Fliegen ist schöner – und selbst das kann er über kürzere Strecken. Auch die Schlachten sind ganz großes Action-Kino: Cole lässt Autowracks durch die Luft wirbeln, surft kämpfend über S-Bahn-Schienen und lähmt ganze Gegner-Scharen mit einem gewaltigen elektrischen Impuls. Die Energie, die er verbraucht, zapft er von Straßenlaternen, Telefonzellen oder Autos ab – nicht besonders logisch, aber sehr praktisch.

Natürlich wird auch das actionreichste Spiel irgendwann langweilig, wenn die Story nicht mithalten kann. „inFamous“ gibt sich redliche Mühe, immer wieder neue Figuren ins Feld zu führen, doch leider bleiben diese weitgehend blass. Die zahlreichen Nebenmissionen dienen vor allem dazu, Cole mit heiß begehrten Karma-Punkten zu versorgen, ähneln sich aber nach einer Weile auch zu stark. „inFamous“ hat bei weitem nicht die Handlungstiefe und den Witz eines „GTA IV“, bietet dafür aber fulminante Jump’n‘Run-Action, die selbst den reichlich bleichen Matrix-Neo vor Neid noch bleicher werden lässt.

Diese Rezension ist auch auf lordsofzock.com erschienen.

Screenshots und Video: Sucker Punch

Crosley-Mobiltelefonablage

Dass Crosley Radio, die mit dem Motto „Yesterday, Today & Tomorrow“ werben, einst mehr Gespür für die Zeichen der Zeit hatte, beweist ein Blick in die Firmengeschichte. Eine animierte Zeitleiste beleuchtet die wichtigsten Stationen des Unternehmens von 1920 bis 1993.

Wir bewegen uns heute ohne Probleme auf unterschiedlichen Ebenen in der digitalen Welt. Wir telefonieren mobil, schreiben Mails und SMS, viele twittern und bloggen oder sind in sozialen Netzwerken wie Xing, Facebook oder StudiVZ aktiv. Ist eine Verbindung auf digitaler Ebene erst einmal hergestellt, können Kontakte einfach gepflegt werden. Aber so weit muss man erst mal kommen. Denn an der Schnittstelle vom echten zum digitalen Leben hakt es noch.

Noch immer werden beim ersten Geschäftskontakt Visitenkarten ausgetauscht, die später mühsam ins digitale Leben überführt werden. Oder eben auch nicht. Und im Privatleben gibt es den helfenden Kontaktkarton erst gar nicht. Wer sich beim ersten Treffen in der Kneipe oder auf Reisen nicht mindestens Vor- und Nachname seiner Bekanntschaften merkt, bekommt häufig keine zweite Chance. Weil der Datenspeicher Gehirn so löchrig ist wie manches Mobilfunknetz auf dem Land.

Handys könnten als Gedächtnisstütze dienen. Fast alle Mobiltelefone übertragen Daten mittlerweile drahtlos. Per Infrarot oder Bluetooth. Das Problem: Die verschiedenen Handymarken verstehen sich untereinander nur bedingt. So manches Geschäftsessen endet mit dem nervösen Tippen zweier Anzugsträger auf ihrer Handytastatur.

Eine andere Möglichkeit: Visitenkarten mit der Handykamera abfotografieren, mit einer speziellen Software auslesen und ins Adressbuch einfügen. Manche Telefone, auf denen eine so genannte mobile OCR-Software installiert ist, können das bereits. Andere nicht. Das iPhone von Apple zum Beispiel hat eine so schlechte Linse, dass die Buchstaben und Zahlen auf den Visitenkarten nicht identifizierbar sind. Außerdem: Fast immer müssen die eingescannten Texte später am Bildschirm korrigiert werden. Mal sind Fax- und Telefonnummer vertauscht, mal einzelne Buchstaben nicht erfasst. Ähnliche Probleme bereiten Visitenkarten-Scanner. Die kleinen Geräte, meist so groß wie eine dicke Geldbörse, verschlucken mit ihrem Einzugsschlitz die kleinen Visitenkarten. Doch was sie auslesen, bedarf ebenfalls meist der Nachbearbeitung.

Panda-Poken

Die Technik für den Austausch zwischen zwei Anhängern liefert ein RFID-Chip, der im Poken eingebaut ist. Machen zwei Poken High-Five, tauschen die Anhänger ihre Daten aus. Zusätzlich hat jedes Poken einen USB-Anschluss, sodass die Daten zu Hause auf den Computer übertragen werden können. Doutriaux: „Seit Januar produzieren wir monatlich rund 60.000 Pokens, mit fast einer Verdoppelung jeden Monat; aber wir sind trotzdem restlos ausverkauft.“ Seit wenigen Tagen kann man die Poken auch in Deutschland bestellen. Vielleicht wird der Handshake der Poken die gute alte Visitenkarte bald abschaffen. Der Urlaub könnte dann etwas entspannter beginnen.