Klingt wie im Film? Nun ja – es ist ein Film, um den es hier geht: „Zerrissene Umarmungen“ („Los abrazos rotos“), das neue Werk von Pedro Almodóvar. Allerdings – eine Handlung, die klingt wie die einer durchschnittlichen Liebestragödie, hätten wir vom Altmeister des spanischen Autoren-Kinos doch eigentlich nicht erwartet.

Sicher, ganz so einfach ist es natürlich nicht: Die Dreiecksgeschichte um die junge Schöne und ihre beiden Liebhaber erleben wir nur in einer Rückblende, erzählt von einem, dessen Berufung das Erzählen, dessen Beruf das Filmemachen ist. Der blinde Drehbuchautor Harry Caine (Lluís Homar), früher bekannt als Regisseur unter dem Namen Mateo Blanco, erzählt dem jungen Diego, Sohn seiner ehemaligen Produktionsleiterin, die Geschichte seines Lebens: von der tragischen Liebe zu seiner Hauptdarstellerin Lena (Penélope Cruz), seinem letzten Film, den er nie beenden konnte, und dem Unfall, der ihn sein Augenlicht kostete.

Und – tja, das war es eigentlich auch schon. Freilich, es gibt ein paar zusätzliche Verwicklungen – eine unvermittelt aufgedeckte Verwandtschaftsbeziehung; ein aus der Ferne schmachtender Verehrer des Regisseurs und eine aus der Nähe ebenso unglücklich liebende Verehrerin; dazu ein Techtelmechtel des erblindeten Caine mit einer Straßenbekanntschaft und Diegos Arbeit als DJ in einem hippen Club. Doch all diese Nebenstränge verlieren sich mehr oder minder im Nichts, scheinen wie beiläufig eingestreut, nebenbei ersonnen und ebenso rasch wieder vergessen; und das wirkt hier leider weniger wie ein Spiel mit filmischen Erzählkonventionen als vielmehr wie pure Zerstreutheit.

Umso mehr konzentriert sich die Kamera dafür auf die Hauptdarstellerin, und das kann man ihr kaum verdenken: Penélope Cruz ist eine der (wenigen) Schauspielerinnen, die in jeder Rolle die gleiche faszinierende Ausstrahlung haben – sei es als abgearbeitete Mutter in „Volver“ oder als manisch-depressive Künstlerin in „Vicky Cristina Barcelona“ –, und selbst wenn sie in „Zerrissene Umarmungen“ nackt vor der Toilette kauert und sich übergibt, ist sie irgendwie noch schön. Dass Almodóvar weiß, wie man Schönheiten in Szene setzt, ist nichts Neues: An Penélope Cruz hat er das bereits ebenso bewiesen wie an Gael García Bernal, dessen androgyne Anmut er in „La Mala Educación“ inszenierte.

Um einen Film zu tragen, reicht das leider nur eigentlich nicht aus. Es kommt immer wieder vor, dass große Regisseure in der anbetenden Betrachtung ihrer Hauptdarstellerin den Rest des Films aus den Augen verlieren – das konnte man in den letzten Jahren bei Quentin Tarantinos Hommage an Uma Thurman in „Kill Bill“ ebenso beobachten wie in Woody Allens Filmen mit Scarlett Johansson –; Almodóvar treibt dies in seinem neuen Film jedoch auf die Spitze, und zwar gleich in doppelter Hinsicht: Wie die Kamera von Cruz’ Gesicht gefesselt scheint, so verfällt auch die männliche Hauptfigur des Films, der Regisseur Mateo Blanco, seiner Hauptdarstellerin so schnell, dass er seinen Film nicht mal zu Ende dreht, sondern mit Lena nach Lanzarote durchbrennt – auf der Flucht vor ihrem Liebhaber, dem alternden Industriellen und Filmproduzenten Ernesto Martel (José Luis Gómez).
Nicht nur in dieser Hinsicht ist der Film durchaus selbstreflexiv zu nennen, denn „Zerrissene Umarmungen“ handelt letztlich immer auch vom Filmemachen – auch jenseits der Dreiecksbeziehung zwischen Regisseur, Produzent und Hauptdarstellerin. Unter der Handlung liegt eine Ebene von Motiven des Sehens und der (bewegten) Bilder, die den ganzen Film durchziehen: Da werden Fotos zerrissen und wieder zusammengesetzt; da wird der Plot für einen erotischen Vampirfilm fantasiert und der ein oder andere Filmklassiker zitiert – nicht zuletzt Almodóvars eigener „Mujeres al borde de un ataque de nervios“ („Frauen am Rande des Nervenzusammenbruchs“). Da bittet der blinde Autor, weil er sie ja nicht sehen kann, eine junge Frau, sich selbst detailliert zu beschreiben, bevor er an ihrem Körper die Wahrheit ertastet; in der Umkehrung dieses Motivs sieht sich der eifersüchtige Martel stumme Amateuraufnahmen vom Filmset an und engagiert, weil er ja nichts hören kann, eine Lippenleserin, die die Gespräche zwischen den heimlichen Geliebten übersetzt. Und sein unglücklicher, einsamer Sohn hält alles mit seiner Kamera fest, in seinem fast obsessiven Wunsch, dem Regisseur Blanco näher zu kommen.

Dass dies, trotz mannighafter Metaphern und bedeutungsschwerer Symbolik, für eine Parabel über das Wesen des Filmemachens dennoch etwas vage bleibt, stört dabei nicht allzu sehr – die einzelnen Bilder stehen eigentlich auch ganz gut für sich. Viel verwirrender scheint einem da die für Almodóvar doch eher ungewöhnliche Tendenz zur stereotypen Heteronormativität. Natürlich darf auch jemand wie Pedro Almodóvar, der bereits alle Schattierungen sexueller Orientierung und Präferenz in seinem Werk verarbeitet hat,  mal einen Film über eine konventionelle, heterosexuelle Dreiecksbeziehung drehen. Dass er aber aus der einzigen homosexuellen Figur in „Zerrissene Umarmungen“, dem Industriellen-Sohn Ray, eine geradezu lächerliche und Mitleid erregende Gestalt macht, das verwundert dann doch ein wenig. Die parodistische Charakterisierung mag der Tatsache geschuldet sein, dass man ihn oft nur durch die verzerrende Brille von Caines Erinnerung sieht; oder vielleicht auch der nicht ganz abwegigen Vermutung, dass eben auch die Figuren des Films irgendwie Teil dieser großen Allegorie über die Arbeit des Filmemachers sind und nicht so sehr „echte“ Charaktere – dennoch: ein unguter Nachgeschmack bleibt.

Dass „Zerrissene  Umarmungen“ elegant erzählt, gekonnt gefilmt ist – daran besteht sicher kein Zweifel. Dass Almodóvar Symbolik mit geübter Hand einsetzt und routiniert seine eigenen Filme zitiert – auch das will man nicht bestreiten. Doch das Besondere an Almodóvars Filmen war bisher stets sein Hang zum Absurden, sein Spiel mit der Abgründigkeit, seine Sympathien selbst für die entlegensten Winkel der menschlichen Seele: Eine Entführte, die sich in ihren Kidnapper verliebt; somnophile Krankenpfleger und sexuell verwirrte Herrschersöhne; oder eine Frau, die den getöteten Ehemann in der Tiefkühltruhe versteckt – das sind die Figuren, die er auf so betörende Art und Weise für sein Publikum lebendig werden lässt.

Für die schöne, aber untalentierte Schauspielerin Lena dagegen, die erst mit ihrem Chef schläft und dann mit ihrem Regisseur – für die empfindet man herzlich wenig, kinematografische Metaphorik hin oder her.

Doch seine nächste Serie „Firefly“ wurde nach nur einer halben Staffel abgesetzt – vermutlich nicht zuletzt, weil der Sender die Folgen in einer falschen Reihenfolge ausstrahlte. Im Rückblick war die Absetzung von „Firefly“ ein gravierender Fehler – die Serie über die bunt zusammengewürfelte Renegaten-Crew eines kleinen Raumschiffs, die ebenso sehr Science Fiction wie Western ist, hat einen spannenden Plot und ist exzellent gecastet. Die Fans erkannten diese Qualitäten und verschafften „Firefly“ rasch einen Kultstatus, der bis heute anhält und zumindest zur Produktion des Kinofilms „Serenity“ führte, der 2005 in die Kinos kam.

Nun waren in den USA die 12 Folgen der ersten Staffel von Joss Whedons neuer Serie „Dollhouse“ zu sehen, die im Juli auch auf DVD erscheint (während genaugenommen sogar 14 produziert wurden). Eine zweite Staffel wurde bereits genehmigt – eine Nachricht, die Fans wie Kritiker eher überrascht haben dürfte, wurde der Serie doch schon von Anfang an ein ähnliches Schicksal wie „Firefly“ prophezeit. Die Skepsis ist verständlich: Der Erfolg einer Fernsehserie hängt schließlich nicht nur von der Originalität des Konzepts ab, sondern auch – und vielleicht sogar noch mehr – von der Beliebtheit der Charaktere. Und was soll man halten von einer Show, deren zentralem Charakter genau das fehlt – Charakter nämlich?

Im „Dollhouse“, einem abgeschirmten Gebäudekomplex irgendwo in Los Angeles, arbeiten die Angestellten des geheimnisvollen Forschungsinstituts „Rossum Corporation“ an einem spektakulären Experiment. Experimentiert wird allerdings nicht mit Chemikalien oder Versuchskaninchen, sondern mit Menschen. Junge Frauen und Männer, die ihr altes Leben hinter sich gelassen haben, und zwar im radikalsten Sinne: Ihre komplette Persönlichkeit, mit all ihren Charakterzügen und Erinnerungen, wurde gelöscht – sie sind Puppen („Dolls“) im wahrsten Sinne des Wortes. Diese „Actives“ werden nun für Einsätze vermietet, deren Bandbreite vom Auftragsverbrechen bis hin zum Escort-Service reicht; und für jeden dieser Einsätze wird ihnen eine neue, vorübergehende Persönlichkeit „aufgespielt“, eine Mischung aus Persönlichkeiten realer, oft verstorbener Menschen, von deren Authentizität die Actives selbst völlig überzeugt sind – bis sie ihren Einsatz erfüllt haben und ins Dollhouse zurückkehren, wo auch diese Identität wieder von der „Festplatte“ ihres Gehirns gelöscht wird.

Der Fokus der Serie liegt auf Echo (gespielt von Eliza Dushku, bekannt als Faith aus „Buffy“), einer der begehrtesten Aktiven des Dollhouse. In ihrem früheren Leben hieß sie Caroline, und auf sie konzentrieren sich auch die Nachforschungen des FBI-Agenten Paul Ballard (Tahmoh Penikett), der gegen den Widerstand seiner Vorgesetzten das Geheimnis um das Dollhouse aufklären will.

Echos Kontaktperson auf Einsätzen, ihr Handler, ist Boyd Langton (Harry Lennix), der neu zum Dollhouse stößt, nachdem Alpha, einer der Aktiven, Amok gelaufen ist und ein Blutbad angerichtet hat, dem auch Echos früherer Handler zum Opfer gefallen ist. Alpha ist untergetaucht und verkörpert damit neben Agent Ballard die zweite Gefahr für das Dollhouse von außen – aber seine Tat zeigt bereits, dass der Erfolg des Experiments auch von innen bedroht wird: Denn das „Bespielen“ der Aktiven mit Persönlichkeiten funktioniert nicht so perfekt, wie es sollte. Bei Echo kommt es in extremen Stresssituationen zu Rissen in der aufgespielten Identität; Erinnerungsfetzen früherer Identitäten tauchen plötzlich in ihrem Gedächtnis auf.

Dass die Willenlosigkeit der Aktiven nicht völlig absolut ist und brüchig wird, war zu erahnen und ist schon aus filmdramaturgischen Gründen fast zwangsläufig – die permanente Wiederholungsschleife von neuen Persönlichkeiten und ihrer Löschung muss unterbrochen werden, wenn überhaupt Handlung und Spannung erzeugt werden sollen; wenn aber die Aktiven beginnen, ein eigenes Bewusstsein zu entwickeln, dann wird dadurch die Grundkonstellation der Serie früher oder später obsolet.  Das ist nicht schlimm, macht es aber fragwürdig, ob das Konzept der Serie Spielraum lässt für mehr als drei Staffeln.

Ein anderes Problem erscheint gravierender, weil es nicht nur ein filmisches, sondern auch ein moralisches ist. Es ist klar, dass das Szenario des „Dollhouse“ Fragen nach Mündigkeit aufwirft, nach Konsens. Denn die Aktiven werden auf ihren Einsätzen nicht nur Situationen ausgesetzt, in denen ihr Leben in Gefahr ist, sie agieren auch als sexuelle Dienstleister – in jedem Fall handelt es sich um Extremsituationen, auf die keinerlei Einfluss haben.

Die moralische Frage hier ähnelt dem Dilemma, das Pedro Almodóvar in seinem Film „Sprich mit ihr“ aufbrachte: Darf man mit einer Koma-Patientin Sex haben – sie merkt es ja nicht? Die Antwort ist, rechtlich wie moralisch, sicher ein Nein. Dass die Aktiven vor ihrem Eintritt ins Dollhouse der Löschung ihrer Persönlichkeiten zugestimmt haben, macht die Sache ein wenig komplizierter – aber auch nur ein wenig: Denn durch die Löschung ihrer Persönlichkeit begeben sie sich in einen Zustand der Unmündigkeit, und in diesem Zustand können sie dem, was mit ihnen geschieht, nicht mehr zustimmen oder sich ihm verweigern – was bedeutet, das alles, was mit ihnen im Dollhouse geschieht, einen Missbrauch darstellt, an Seele, Körper und Geist.

Dollhouse

Freilich: Erotische Fantasien sind ja nicht Schlechtes, selbst stereotype nicht; und „Dollhouse“ ist weder die erste noch die letzte Serie, die sich solcher Schablonen bedient. Das Problem ist, dass diese Klischees im Kontext der Handlung von „Dollhouse“ gerade den Diskurs über die Entmündigung der Figuren unterminieren und das Ganze etwas fragwürdig erscheinen lassen – denn der Zuschauer wird dadurch in eine Situation gebracht, in der er selbst die Aktiven permanent objektiviert. Es ist nicht ganz auszuschließen, dass das von Joss Whedon sogar beabsichtigt ist – aber vielleicht überschätzt man mit dieser Vermutung doch auch die Selbstreflektiertheit der Serie, und es geht letztlich dann doch nur darum, Dushkus Oberweite ins Bild zu setzen.

Das ist – ganz abgesehen von moralischen Implikationen – zwar fraglos ästhetisch gefällig, aber vom Blickwinkel künstlerischer Originalität aus gesehen doch auch ein bisschen enttäuschend. Nach den komplexen und selbstbewussten weiblichen Charakteren, die Whedon für „Firefly“ erfand, erscheinen in „Dollhouse“ nicht nur die „Puppen“ ein wenig persönlichkeitsarm: Zwar haben in dem Netz aus Intrigen und Geheimnissen alle Figuren etwas zu verbergen – so richtig interessant werden sie dadurch aber nicht.

Letztlich ist dies wohl auch die größte Schwachstelle der Serie: Keine Frage, das Konzept ist faszinierend; die Ästhetik fängt stilsicher die subtil düstere, anti-utopistisch futuristische Atmosphäre ein, die Whedon so gut beherrscht; und der Plot ist ein komplexes, elaboriertes Gespinst aus falschen Fährten und langsam enthüllten Geheimnissen. Vielleicht ist aber das Konstrukt doch ein bisschen zu elaboriert: Denn die Komplexität der Handlung zwingt die Charaktere in die Rolle von Schachfiguren – für Charakterentwicklung bleibt da kein Raum.

So denken all jene, die von ihrer Online-Idee überzeugt sind. Und so denkt offensichtlich auch Schauspielerin Natalie Portman – präsentierte sie doch erst kürzlich auf dem Tribeca Film Festival Ende April in New York die Beta-Version ihres neuen Online-Portals „Makingof.com“.

Dreht, produziert, interviewt: Natalie Portman

Und dennoch scheint die Schauspielerin, die am 9. Juni 2009 ihren 28. Geburtstag feiert, noch Zeit übrig zu haben, um sich anderen Dingen zu widmen: „Wir sahen, dass wirklich ein Bedarf besteht an einer zentralen Quelle für Insider-Informationen über das Filmemachen“, sagte Portman in einem Interview mit „Vanity Fair“ im New Yorker Apple Store. Und „Makingof.com“ will diesen Mangel beheben: Das Portal, entwickelt von Portman und Christine Aylward, einer Unternehmerin und Beraterin aus Kalifornien, tritt unter dem Motto „Front Row. Behind the Scenes.“ (In der ersten Reihe. Hinter den Kulissen.) dazu an, Cineasten einen exklusiven Einblick in die Produktion von Kinofilmen zu gewähren.

Die Webseite bietet Interviews mit Akteuren aus allen Bereichen der Filmproduktion: Regisseur Marc Forster und Schauspieler Ben Stiller sprechen hier ebenso über ihre Arbeit wie Casting Directors, Stuntmen oder Special Effects-Experten. Dass Portman selbst in der Filmbranche zuhause ist und die nötigen Kontakte hat, schadet der Sache sicher nicht: Den beiden  Frauen ist es gelungen, die großen Namen der jeweiligen Zünfte für das Projekt zu gewinnen – darunter etwa Hans Zimmer, zur Zeit sicher einer der erfolgreichsten Komponisten für Filmmusik weltweit.

Diese Interviews bilden, unter dem Schlagwort „insiders“, gewissermaßen das Herz des Portals. Flankiert werden sie durch die Rubriken „filming now“ und „the vault“, die Filmausschnitte, Trailer und Interviews zu aktuellen und älteren Kinofilmen vorstellen, sowie die obligatorische „community“, die im Augenblick aber noch mit den Worten „coming soon“ auf später vertröstet.

Es ist offensichtlich, dass das Archiv noch im Aufbau begriffen ist: Die eingestellten Interviews und Clips sind spannend und informativ, aber noch nicht sehr zahlreich – lassen aber doch bereits erahnen, dass hier eine lebendige, spannende Plattform für Filminteressierte entstehen könnte.

In einer Zeit, in der sich Fans auf internationalen Weblog-Portalen wie „Livejournal“ oder dem neu gegründeten „Dreamwidth“ finden und in Communitys zusammenschließen; in der zu jedem großen Kinofilm eine aufwändige Webseite lanciert wird, die von kostenlosen Wallpaper-Downloads bis zu Charakter-Profilen alles bietet; und in der jeder, den es interessiert, über „Twitter“ nun auch mitverfolgen kann, wann Schauspieler nach einem anstrengenden Drehtag ins Bett gehen oder was sie zum Mittagessen hatten – da liegt ein Portal wie „Makingof.com“ jedenfalls voll im Trend: Die Gründung dieser Webseite zeigt einmal häufiger, dass das Kinoerlebnis heute weit über den roten Sessel und eine Tüte Popcornhinausreicht: Im Internet geht es weiter.

Foto: Flickr/mondi (CC-Lizenz)

Was vergessen? Vermutlich. Ist aber auch nicht wirklich wichtig, denn alle diese Sequels hatten vor allem eines gemeinsam: Sie waren mittelmäßig.

Jetzt verpassen: Wolverine

Im Grunde laufen alle diese individuellen Handicaps auf ein Problem heraus, an dem die meisten Sequels kranken: Fortsetzungen entstehen eben in der Regel nicht aus einer guten Plot-Idee, sondern aus dem Wunsch der Produzenten, den Erfolg des ersten Teils an den Kinokassen zu wiederholen. Und das zeigt sich in der Ausführung: Eigentlich zu Ende geführte Geschichten werden künstlich aufgebläht und verlängert; Schauspieler haben andere Verpflichtungen und müssen ersetzt werden, oder werden einfach alt; Regisseure sind nicht vom Drehbuch überzeugt und suchen sich andere Projekte. Sicher, treue Fans bezahlen trotzdem für die Kinokarte – „Fluch der Karibik 2″ steht im Moment an dritter Stelle der erfolgreichsten, das heißt umsatzstärksten Kinofilme aller Zeiten – aber zurück bleibt vor allem: ein schaler Nachgeschmack.

Das Gute ist: Es gibt Hoffnung – in diesem Jahr wird nämlich alles ganz anders. Denn in Hollywood heißt es zur Zeit „back to the roots“, und das im wahrsten Sinne des Wortes: Statt sich einen Plot für noch eine weitere Fortsetzung aus den Fingern zu saugen, konzentriert man sich einfach auf die Vorgeschichte – und dreht ein Prequel. „X-Men Origins: Wolverine“ und „Star Trek – The Future Begins“ haben in den letzten Wochen vorgemacht, wie das funktioniert.

Nun ist „Wolverine“ zwar kein wirklich guter Film – und dennoch ist war er eine angenehme Überraschung: Weil Titelheld „Wolverine“ (Hugh Jackman), im letzten X-Men-Film leider mehr liebeskrankes Hündchen als wirklich animalisch, hier wieder als „the coolest and hottest“ der Superhelden rehabilitiert wurde. Weil der Film uns endlich mit Taylor Kitsch den charmanten Remy LeBeau alias Gambit bescherte, dessen Auftritt die Fans in den „X-Men“-Filmen bisher schmerzlich vermisst hatten. Und vor allem, weil der Film endlich die Frage nach Wolverines verlorenem Gedächtnis klärte, genauso wie sein kompliziertes Verhältnis zu Gegenspieler Victor Creed/Sabretooth.

Und war Wolverine aus diesen Gründen befriedigend, wenn auch nicht wirklich glänzend, so gehört das „Star Trek“-Reboot sicher zu dem Besten, was das Blockbuster-Kino seit Fluch der Karibik hervorgebracht hat. Das Casting der Hauptrollen ist so perfekt, dass man blasphemisch behaupten könnte, diese Schauspieler verkörperten den Geist der Charaktere überzeugender als die ursprünglichen Darsteller; der Film klebt nicht an der Ästhetik der Original-Serie, sondern schuf mit aktuellem Design und zeitgemäßen Special Effects eine ganz neue Atmosphäre; und während der Film genug Referenzen und Anspielungen enthielt, um das Trekkie-Herz schneller schlagen zu lassen, war die Geschichte doch so gut erzählt, dass selbst Uneingeweihte Spaß haben konnten. Und sie zeigt uns endlich das, was wir schon immer mal sehen wollten – wie war das eigentlich damals, als James T. Kirk und Mr. Spock sich kennen lernten?

Das Schöne an der Idee des Prequels ist, dass eine Vorgeschichte nicht erfunden werden muss, denn sie ist immer bereits im Originalwerk angelegt – allerdings nur in Andeutungen: Der Fan bekommt Hinweise auf das, was war; einen Einblick in die Ereignisse, die den Charakter dahin gebracht haben, wo man ihm dann im Kino auf der Leinwand begegnet. Dass genau diese Vorgeschichte für den Fan eine besondere Faszination birgt, zeigt sich deutlich im Phänomen der Fanfiction: Seit Jahren schreiben Tausende von „Harry Potter“-Fans auf der ganzen Welt ihre eigenen Geschichten über das, was sie die Marauder’s Era (die Ära der Herumtreiber) nennen: die Schulzeit von Harry Potters Eltern und ihren Freunden, lange vor Harry Potters Geburt.

Zu hoffen ist also, dass dieser neue Trend – für den die „neue“ „Star Wars“-Trilogie 1999 (trotz peinlicher Fehlbesetzung der Hauptfigur) den Grundstein legte – uns vor weiteren mittelmäßigen Fortsetzungen bewahrt und uns stattdessen wieder befriedigendere Blockbuster-Erlebnisse beschert. „Der Hobbit“, das Herr der Ringe-Prequel, bei dem wieder Peter Jackson Regie führt, ist zumindest schon für 2012 angekündigt.

Und auch wenn „Fast & Furious“, der in diesem Frühjahr erschienene vierte Teil von „The Fast and the Furious“, noch eine traditionelle Fortsetzung ist, so war man doch schlau genug, zumindest die beiden Hauptdarsteller des ersten Teils, Vin Diesel und Paul Walker, wieder mit ins Boot (oder besser gesagt: ins Rennauto) zu holen. „New Model. Original Parts“ (Neues Modell. Originalteile) war der Slogan, mit dem der Film treffenderweise warb, und der davon zeugt, dass man sich auch hier wieder auf die Wurzeln zurückbesann, um die Fans der ersten Stunde zu binden.

Auch andere Franchises wären gut beraten, sich dieser Bewegung anzuschließen: Warner Bros. Pictures sollte die Verfilmung des ohnehin etwas enttäuschenden letzten „Harry Potter“-Bandes vergessen und stattdessen Autorin J.K. Rowling lieber mit einem Drehbuch für die oben erwähnte Vorgeschichte des Zauberer-Epos beauftragen, in der „Harry Potter“-Darsteller Daniel Radcliffe zur Abwechslung Harrys Vater spielen könnte. Und statt den vierten Teil von Fluch der Karibik zu drehen, sollte Disney das Geld lieber in ein Prequel investieren – mit Zac Efron als jungem Jack Sparrow.